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Stevie Wonder e a música brasileira

2011-12-11T08:04:00.000-03:00

Originalmente publicado em outubro de 2011 no TomNeto.com.

No momento em que Stevie Wonder [no detalhe] incluiu “Garota de Ipanema” no roteiro de sua recente apresentação no Rock In Rio, muitos podem ter pensado que tratava-se de mais um exemplo de “gringo fazendo média” — quando, na verdade, não é nenhum pecado que um músico estrangeiro tenha um gesto de “simpatia” para com a cultura de um país em que esteja visitando.

(Ainda que, em alguns casos, seja pura demagogia mesmo...)

Wonder, entretanto, possui uma ligação antiga com a música brasileira — tendo, inclusive, participado de trabalhos de artistas nacionais como Djavan e Sérgio Mendes [saiba mais aqui].

Em seu álbum Live, de 1970, Stevie gravou uma versão em inglês de Sergio Mendes — de quem é amigo de longa data — para “Sá Marina”, de Antônio Adolfo e Tibério Gaspar, sucesso na voz de Wilson Simonal.

Ouça “Pretty World (Sá Marina)”:

No ano seguinte, SW visitou o Brasil pela primeira vez, para uma pequena apresentação. Na ocasião, o samba “Você Abusou”, da dupla Antônio Carlos & Jocafi, fazia um estrondoso sucesso que, posteriormente, atravessaria fronteiras — a música foi gravada até em francês (!).

Eventualmente, Stevie a incluí no roteiro de seus shows. Foi assim em 1995, quando trouxe a sua turnê Conversation Peace para o Free Jazz Festival. E voltou a acontecer agora, no Rock In Rio, como música incidental em “Garota de Ipanema”.

Em 1973, Wonder compôs uma canção inspirada no modo “cuca fresca” do povo brasileiro: a arrasadora “Don't Worry 'Bout a Thing”, lançada originalmente no (excelente) Innervisions.

Veja o vídeo de “Don't Worry 'Bout a Thing”, extraído do (estupendo) DVD Live At Last, de 2009:

Por fim, em seu mais recente álbum de estúdio, A Time To Love [2005], a influência brasileira se faz presente na swingada — e praticamente desconhecida — “Sweetest Somebody I Know”, cuja melodia, em alguns momentos, se assemelha a... “Samba de Uma Nota Só”, clássico de Antonio Carlos Jobim e Newton Mendonça.

Ouça “Sweetest Somebody I Know”:

Jefferson Gonçalves: a harmônica com ‘sotaque’ brasileiro

2011-12-11T08:00:00.000-03:00

Encruzilhada (independente, com distribuição via Sony Music)

2011

Originalmente publicado em outubro de 2011 no TomNeto.com.

Músico leva a harmônica para além dos limites do blues

Com de 20 anos de carreira – tendo gravado com nomes como Belchior, Celso Blues Boy, Norton Buffalo, Peter Madcat & Eddie Clearwater, entre outros – o gaitista Jefferson Gonçalves chega ao seu quarto CD solo.

Produzido pelo próprio Jefferson e gravado de forma independente – com distribuição via Sony Music –, Encruzilhada [no detalhe, a capa] apresenta em sua maioria, temas inéditos, compostos por Gonçalves e parceiros.

Instrumento normalmente associado ao blues, a harmônica alça voos mais altos nas mãos de Jefferson. Há um “sotaque” brasileiro — ou, para ser mais exato, nordestino — ao longo do álbum. A faixa-título, que abre os trabalhos, é um insuspeitado... baião (!). O mesmo vale para “Tudo Azul”, do flautista Carlos Malta, além das autorais “Na Hora” e “Arrumando a Casa”.

Na seara de covers, JG vai de “Catfish Blues”, do mestre Muddy Waters, “Long Hard Blues”, parceria de Roy Rogers com o supracitado Norton Buffalo, e “Down In Mississipi”, da cantora gospel Mavis Stapples.

A harmônica de Stevie Wonder em canções de outros artistas

2011-12-11T07:56:00.002-03:00

Originalmente publicado em setembro de 2011 no TomNeto.com.

Stevie Wonder, que se apresentará amanhã no Rock In Rio, é um artista cuja trajetória é absolutamente singular.

Assinou seu primeiro contrato com uma gravadora, a Motown, aos 11 (!) anos de idade. Em sua discografia, encontram-se álbuns essenciais como Talking Book [1972], Innervisions [1973], Fulfillingness' First Finale [1974] e, em especial, Songs In The Key Of Life [1976]. Aos 61 anos, com mais de trinta hits no currículo, é o artista masculino que mais ganhou prêmios Grammy — 25 ao todo. Nada disso, entretanto, é novidade para ninguém.

O que talvez nem todos saibam é que, não bastasse o soberbo cantor e compositor que sempre foi, Stevie — a despeito da deficiência visual de nascença —, é um multi-instrumentista, gravando várias de suas faixas praticamente sozinho (!).

Contudo, apesar de dominar piano, baixo e até... bateria, Wonder é mais identificado pelo público por um instrumento em especial: a harmônica [no detalhe].

Além de estar presente em vários de seus clássicos como “Isn't She Lovely”, “Send One Your Love”, “From The Bottom Of My Heart” e “For Once In My Life”, a gaita de Stevie Wonder também aparece em sucessos de outros artistas.

Confiram alguns exemplos:

Gravado em Los Angeles, Luz, quinto álbum de Djavan, conta com a participação da inconfundível harmônica de Stevie Wonder em “Samurai”. Anos depois, em entrevista a Jô Soares, o cantor alagoano fez uma curiosa observação sobre seu convidado: “Ele tem uma bunda enorme”:

No ano seguinte, Wonder emprestou sua gaita à belíssima “I Guess That's Why They Call It The Blues”, lançada por Sir Elton John em seu álbum Too Low For Zero:

Em 1984, Stevie colaborou com Chaka Khan, em sua incendiária releitura de “I Feel For You”, uma das mais infalíveis faixas para pista já gravadas. A versão original, que o autor Prince, lançou em seu segundo disco, epônimo, de 1979, não chega nem perto...

Faixa do álbum Be Yourself Tonight [1985], do extinto duo Eurythmics, a bela melodia “There Must Be An Angel (Playing With My Heart)”, não poderia encontrar, além da voz cristalina de Annie Lennox, um adorno mais apropriado do que a harmônica de SW:

Stevie Wonder também participa da regravação da imortal “As Time Goes By”, que Carly Simon incluiu em seu Coming Around Again, de 1987:

Em Duets II, de 1996, derradeiro trabalho de Frank Sinatra, Stevie acompanhou o anfitrião e Gladys Knight em uma canção que fez muito sucesso em sua voz: “For Once In My Life”:

Por considerá-la um tanto parecida com o antigo sucesso “I Was Made To Love Her”, Sting — fã confesso de Wonder — convidou-o para tocar gaita na esperançosa “Brand New Day”, faixa-título do álbum que o ex-Police editou em 1999. Em vídeo extraído do DVD Live At Universal Amphitheatre, daquele mesmo ano, a entrada-surpresa de SW causou enorme frisson na plateia. E vale a pena observar também a reação de Sting: terminada a canção, Stevie vai deixando o palco e o baixista observa, em silêncio, com as mãos juntas — como se estivesse rezando. Segundos depois, com a voz calma, diz, simplesmente: “Stevie Wonder”. Então, olha para o alto e completa a frase: “Um ser elevado”:

Stevie Wonder também participou — brilhantemente, diga-se de passagem — da dobradinha* “Berimbau/Consolação”, de Baden Powell e Vinicius de Moraes, gravada por Gracinha Leporace em Timeless, álbum lançado por seu marido, Sérgio Mendes, em 2006. Wonder e Mendes, aliás, são amigos de longa data:

* Dedico esta canção ao pequeno capoerista aqui de casa.

Chico Buarque: tal qual um bom livro

2011-10-09T22:15:00.000-03:00

Chico (Biscoito Fino)

2011

Originalmente publicado em agosto de 2011 no TomNeto.com.

A música do compositor carioca torna-se cada vez mais minuciosa. Talvez por influência de sua... literatura

Nos últimos anos, Chico Buarque tem alternado sua atuação entre a música e a literatura. Após um disco de inéditas, invariavelmente sai em turnê — que acaba gerando CD/DVD ao vivo —, e recolhe-se para escrever mais um romance — o mais recente foi (o ótimo) Leite Derramado [2009]. Portanto, mantendo a “tradição”, o artista volta à ribalta, cinco anos após o seu último álbum de estúdio, Carioca, com um novo trabalho, intitulado simplesmente... Chico.

Amparado por uma inteligente estratégia de marketing, concentrada no site www.chicobastidores.com.br — que disponibilizava conteúdo exclusivo para aqueles que adquiriam a bolacha ainda em fase de pré-venda —, Chico chega às lojas com boa visibilidade, mesmo em tempos de downloads ilegais. Este é o terceiro título do artista pela gravadora Biscoito Fino.

Faixa que abre os trabalhos — e também a primeira música de trabalho —, a modinha “Querido Diário” chama a atenção pelo sabor algo... interiorano. Entretanto, ao mesmo tempo, remete o ouvinte à cordialidade típica do Rio antigo. A letra é clara: é como se alguém estivesse fazendo anotações do próprio cotidiano em um diário. Mas não deixa de causar certa estranheza com o verso “amar uma mulher sem orifício”, que faz uma crítica velada a uma certa... digamos, “irracionalidade” das religiões — que vem praticamente desde o início da história da Humanidade...

“Rubato” — que significa, em italiano, “roubado” — é, na linguagem musical, o termo utilizado para designar a aceleração ou desaceleração do tempo de execução de uma peça. Ou seja, o intérprete “rouba” um pouco do tempo de algumas notas e o compensa em outras. É também o título da simpática (e espirituosa) marchinha composta em parceria com o baixista Jorge Hélder, cuja letra menciona três musas com nomes que rimam entre si: Aurora, Amora e Teodora. Entretanto, o título não é gratuito. Na letra, o compositor revela seu temor: “Venha, Aurora, ouvir agora / a nossa música / depressa, antes que um outro compositor me roube”. E, em contrapartida, assume: “Venha ouvir, sem mais demora / a nossa música / que estou roubando de outro compositor”.

Moral da história: na arte, ninguém parte do zero.

Com um discreto acento blues, “Essa Pequena” fala claramente do relacionamento entre um homem maduro e uma mulher mais jovem: “Meu tempo é curto / o tempo dela sobra. (...) / Feito avarento, conto os meus minutos / cada segundo que se esvai”. Mas, no final, o eu-lírico se conforma: “Sinto que ainda vou penar com essa pequena, mas / o blues já valeu a pena”.

Parceria com João Bosco, ‘Sinhá’ é a letra mais instigante

Mesmo não sendo um baião legítimo, “Tipo um Baião” traz a influência do gênero no qual Luiz Gonzaga foi rei — por sinal, o Velho Lua é citado no final da canção. Como o título entrega, é... “tipo um baião”. Igualmente gracioso é o dueto de Chico com Thaís Gulin em “Se Eu Soubesse”, já gravada pela cantora curitibana, com a participação do autor, em Ôôôôôôôô, seu segundo álbum, lançado este ano. Já a (bela) “valsa russa” “Nina” ilustra o romance virtual de um brasileiro com uma moça... moscovita: “Nina anseia por me conhecer em breve / me levar para a noite de Moscou. / Sempre que esta valsa toca / fecho os olhos / bebo alguma vodca / e vou...”

Parceria com Ivan Lins — e já gravada por Diogo Nogueira —, “Sou Eu” ressente-se pela participação do veterano baterista Wilson das Neves, totalmente inexpressivo como intérprete. Melhor resultado é obtido em outro samba do álbum, “Barafunda”, cuja letra fala das difusas recordações do autor de “O que Será? (A Flor da Terra)” e cita Cartola, Garrincha, Zizinho, Pelé e... Mandela.

O provável ponto alto de Chico é a delicada “Sem Você nº 2”. Inspirada na pérola de Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes — que, além do título, é citada na introdução —, possui versos... capciosos: “Sem você, o tempo é todo meu / posso até ver o futebol (...). / Sem você, é um silêncio tal / que ouço uma nuvem a vagar no céu / ou uma lágrima cair no chão. / Mas não tem nada, não”.

Contudo, a letra mais instigante do disco é justamente a da última faixa. Composta em parceria com João Bosco — e com a participação do próprio no violão e nos vocais —, “Sinhá” é samba de nítidos matizes africanos, que narra a estória do velho escravo que está sendo castigado, sob a acusação ter visto nua a “sinhá” que batiza a canção. “Por que talhar meu corpo? / Eu não olhei Sinhá. / Para que que vosmecê / meus olhos vai furar? / Eu choro em iorubá / mas oro por Jesus. / Para que que vassuncê / me tira a luz?”.

Em dez faixas que totalizam apenas 31 minutos de música, Chico, o disco, dá o seu “recado” de maneira concisa. Atualmente, a produção de Chico, o compositor, é desapegada dos “apelos” da música popular: refrões fáceis, etc. Ao contrário: é minuciosa, concentrada. Para ser apreciada sem pressa. Tal qual um bom livro — por influência, presume-se, de sua recente (e proveitosa) proximidade com a literatura.

Chico está no mesmo nível de trabalhos anteriores do artista, como os (excelentes) Paratodos [1993] e As Cidades [1998]. E possui melhor aproveitamento do que o seu antecessor, o bom Carioca [2006]. Em suma: trata-se de um trabalho de Chico Buarque — com tudo o que isso significa. E não é à toa que ele é chamado de gênio.

Leia também:

Chico Buarque: polivalente

Chico Buarque: “Cidade Maravilhosa, és minha...”

Ouça “Querido Diário”...

...e “Sem Você nº 2”:

‘The Death Of You And Me’: a primeira inédita solo de Noel Gallagher

2011-10-09T22:14:00.001-03:00

Originalmente publicado em julho de 2011 no TomNeto.com.

Cinco meses após o lançamento de Different Gear, Still Speeding, CD de estreia do Beady Eye, banda de Liam Gallagher, chegou a vez de Noel Gallagher [foto].

O irmão mais velho lançou ontem, 25, o primeiro clipe de sua carreira solo. A (ótima) “The Death Of You And Me” soa bem Oasis — o que é absolutamente natural, visto que, sendo o principal compositor, Noel era a “alma” da banda. E, a julgar por esta faixa, sua nova empreitada tem tudo para dar certo.

Em recente entrevista coletiva, o músico britânico assumiu que suas novas canções podem guardar alguma semelhança com o som do Oasis, sim. Mas frisou:

— Não tem nenhum solo de guitarra até a sexta música.

Com um clima western, o vídeo conta a estória de uma sonhadora garçonete de um restaurante de beira de estrada. O single, entretanto, sairá somente no dia 22 de agosto.

O primeiro álbum solo de inéditas, Noel Gallagher's High Flying Birds, está previsto para chegar às lojas em 17 de outubro, através de seu selo, Sour Mash Records. Após o lançamento da bolacha, Gallagher sairá em turnê. E prometeu tocar várias de seu antiga banda.

Detalhe: na mesma coletiva, Noel revelou que tem mais um disco pronto. Ainda sem título, o trabalho foi gravado em parceria com o grupo psicodélico Amorphous Androgynous. E será lançado no ano que vem.

Veja o vídeo de ‘The Death Of You And Me’:

Super Heavy: a nova banda de Mick Jagger

2011-08-16T19:14:00.001-03:00

Publicado originalmente em julho de 2011 no Tom Neto.com.

Por essa, ninguém esperava mesmo: o líder dos Rolling Stones, Mick Jagger, uniu-se à cantora Joss Stone, a Dave Stewart (ex-Eurythmics), a Damien “Jr. Gong” Marley — o caçula dos onze filhos do homem — e ao compositor e produtor indiano A.R. Rahman, para formar um supergrupo, batizado de... Super Heavy [foto].

Dos cinco integrantes, o menos conhecido é A.R. Rahman. Indiano, Rahman é autor de trilhas de cinema, entre elas a de Quem Quer Ser um Milionário?, com a qual foi agraciado com o Oscar, em 2008.

O álbum, cujo título ainda não foi revelado, promete ser um caleidoscópio de estilos e gêneros musicais dos mais diversos — embora nada “super pesado”, a despeito do nome do quinteto. E está previsto para ser lançado no dia 19 de setembro, via Universal Music.

Para este projeto, os músicos gravaram nada menos do que 29 canções, das quais apenas dez estarão na seleção final. Jagger declarou que o trabalho começou despretensioso, com “idéias, riffs de guitarra e algumas letras”.

O primeiro single, “Miracle Worker”, foi lançado — em formato digital — precisamente hoje.

Veja o vídeo de “Miracle Worker”, onde Mick Jagger — usando um terno um tanto... er, excêntrico — esbanja vitalidade ao lado de seus novos companheiros:

Morrissey: sem gravadora

2011-08-16T19:12:00.001-03:00

Publicado originalmente em junho de 2011 no Tom Neto.com.

Em entrevista ao site Pitchfork, Morrissey [foto] expôs sem rodeios a sua situação: está com um disco de inéditas — o décimo de sua carreira solo — pronto, mas... encontra-se atualmente sem gravadora para editá-lo. E rejeita a ideia de lançá-lo de forma independente, como fez o Radiohead:

— Não tenho nenhuma necessidade de ser inovador neste sentido. Ainda estou preso ao sonho de um álbum que venda bem não por causa do marketing, mas porque as pessoas simplesmente gostam das músicas.

No dia 16 deste mês, apresentou, no programa de Janice Long, na BBC Radio 2, três faixas deste novo trabalho, ainda sem título: “People Are The Same Everywhere”, “The Kid's A Looker” e “Action Is My Middle Name”, que mantém o bom nível dos recentes trabalhos solos do ex-Smiths.

Sua antiga banda, aliás, é motivo de certa mágoa por parte do artista:

— A imprensa só se refere a mim como integrante do Smiths. E o fato de eu ter três álbuns solo que chegaram ao número um [nas paradas] — ou 25 anos de carreira solo — nunca é mencionado.

O último álbum de inéditas de Morrissey é o (bom) Years Of Refusal, de 2009.

Leia também:

Morrissey: vivo e chutando

Ouça “People Are The Same Everywhere”...

Morrissey - People Are The Same Everywhere (BBC Session)

...“The Kid's A Looker”...

Morrissey - The Kid's a Looker (BBC Session)

...e “Action Is My Middle Name”:

Morrissey - Action Is My Middle Name (BBC Session)

‘Major Minus’ e ‘Moving To Mars’: mais duas inéditas do Coldplay

2011-08-16T19:11:00.002-03:00

Publicado originalmente em junho de 2011 no Tom Neto.com.

Após “Every Teardrop Is A Waterfall”, o Coldplay [foto] solta mais duas inéditas: “Major Minus” e — a melhor faixa da “nova safra” da banda inglesa — “Moving To Mars”.

As três integram o EP Every Teardrop Is A Waterfall, já disponível tanto para download pago quanto em formato físico. Contudo, não há nenhuma informação sobre a inclusão das mesmas no próximo CD do grupo, ainda sem título, tampouco sobre a data de lançamento da bolacha.

Ouça “Major Minus”...

...e “Moving To Mars”:

http://arquivodotomneto.blogspot.com/2011/08/every-teardrop-is-waterfall-o-novo.html

‘Every Teardrop Is a Waterfall’: o novo single do Coldplay

2011-08-16T19:09:00.001-03:00

Publicado originalmente em junho de 2011 no Tom Neto.com.

Após vários teasers postados na sua página do Twitter, o Coldplay [foto] finalmente editou, no dia 03 de junho, o seu novo single. “Every Teardrop Is a Waterfall” [no detalhe, a capa], contudo, está disponível apenas para download digital.

A banda atribuiu o lançamento da canção aos “festivais de verão” dos quais participará este ano — e isso, obviamente, inclui o Rock In Rio, que será realizado em setembro. No entanto, não há nenhuma confirmação de que a faixa fará parte do sucessor de seu mais recente álbum de inéditas, Viva La Vida or Death And All His Friends (2008) — disparado, o melhor título da discografia do quarteto.

As informações mais recentes davam conta de que o novo CD do grupo, ainda sem título, está sendo pilotado por Brian Eno e Marcos Dravs, a mesma dupla que produziu o supracitado Viva La Vida. E, segundo o vocalista Chris Martin, será “mais acústico” do que o trabalho anterior.

O esteta Brian Eno, ex-Roxy Music, produziu também seis álbuns do U2 — com destaque para os três que revolucionaram o som de Bono & cia.: The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987) e Acthung Baby (1991). Eno também é o criador das chamadas Estratégias Oblíquas, uma série de cartas publicadas em 1975, com o intuito de auxiliar a sair de “becos sem sáida”, bloqueios criativos, etc.

O próprio Coldplay confessou ter usado estas cartas durante as gravações de Viva la Vida.

***

Logo após “Every Teardrop Is a Waterfall” ter sido lançada, o Coldplay foi acusado de ter plagiado a melodia de “Ritmo de la Noche”, do grupo belga Mystic, de 1990.

A banda se defendeu afirmando que tem permissão para usar a melodia de “I Go to Rio”, de Adrienne Anderson e Peter Allen — e gravada por este, em 1976. E o porta-voz do quarteto lembra que, em seu site oficial, há a informação de que “‘Every Teardrop Is a Waterfall’ contém elementos de ‘I Go to Rio’”.

E a supracitada “Ritmo de la Noche” foi inspirada justamente em... “I Go to Rio”.

Ironicamente, esta é a segunda vez que o Coldplay recebe esse tipo de acusação: a primeira foi quando o guitarrista Joe Satriani processou a banda por plágio da sua “If I Could Fly”, de 2004, justamente em... “Viva La Vida”, a canção. Entretanto, as partes chegaram a um acordo extrajudicial — que jamais foi divulgado — e a ação foi encerrada.

Leia também:

Da série ‘São Bonitas as Canções’: ‘Viva La Vida’, do Coldplay

‘Viva La Vida’: a música de 2008

Veja o vídeo de “Every Teardrop Is a Waterfall”:

João Gilberto: 80 anos

2011-07-07T20:24:00.000-03:00

Publicado originalmente em junho de 2011 no TomNeto.com.

Antes de qualquer coisa, é necessário dizer que é motivo de alegria saber que uma das personagens centrais da nossa música, João Gilberto [no detalhe], continua entre nós. E precisamente hoje, 10 de junho de 2010, o “baiano bossa nova” completa 80 anos de idade.

Homem de temperamento recluso — considerado “excêntrico” por muitos — e perfeccionista ao extremo, João, com seu estilo inconfundível, “desconstruiu” e redefiniu os parâmetros da música brasileira. Nele, o que parece “simples” é pura complexidade. E o que alguns podem confundir com “economia” ou “limitação” é tão somente... sutileza. E precisão.

Embora sempre tenha sido um compositor bissexto, e tenha lançado poucos discos ao longo de sua carreira, o espectro de sua influência é enorme. Tornou suas canções como “Rosa Morena”, de Dorival Caymmi, além de clássicos como “Desafinado”, “Garota de Ipanema” e, claro, “Chega de Saudade”, todas de Antonio Carlos Jobim.

E, entre seus companheiros de profissão, possui admiradores tão díspares quanto Roberto Carlos, Jorge Ben Jor e... Eric Clapton.

Que João Gilberto ainda sopre muitas e muitas velinhas de aniversário. Provavelmente, ele saberia “desconstruir” até mesmo o tradicional “Parabéns para Você”...

Da série “São Bonitas as Canções”: “Estate”, com João Gilberto.

‘João’ (1991).

Veja os vídeos de “Rosa Morena”...

...e três extraídos do excelente especial João & Antonio, gravado ao vivo no Theatro Municipal do Rio, em 1992 — um pecado este DVD jamais ter sido lançado: “Desafinado”...

...“Garota de Ipanema”...

...e “Chega de Saudade”:

Eric Clapton: ‘God’ virá ao Brasil

2011-07-07T20:20:00.001-03:00

Publicado originalmente em maio de 2011, no TomNeto.com.

Confirmado: Eric Clapton [foto] virá ao Brasil este ano, mais precisamente em outubro. E se apresentará em três capitais: Porto Alegre, no dia 6; Rio de Janeiro, no dia 9; e São Paulo no dia 12.

Do alto de quase meio século de carreira, o maior guitarrista vivo do planeta — e, muito provavelmente, o segundo maior de todos os tempos, perdendo apenas para Jimi Hendrix — merece como poucos o epíteto de “lenda viva”. Nos anos 1960, aliás, jovens londrinos foram ainda mais longe, pichando os muros da cidade com a frase “Clapton Is God” (Clapton é Deus)[à direita].

Além de ter sido integrante dos John Mayall And The Bluesbreakers, dos Yardbirds, do Cream e do Blind Faith, EC construiu uma sólida trajetória solo, que não sucumbiu nem aos percalços pelos quais passou na década de 1970 — o vício em heroína e, posteriormente, o alcoolismo — e de 1990 — a morte do filho Conor, ao cair de um prédio em Manhattan.

E, não bastasse a destreza no instrumento, Clapton tornou-se, com o passar dos anos, um grande arranjador e intérprete, conseguindo emplacar sucessos — suas ou de outros autores — como “Wonderful Tonight”, “Cocaine”, a tristonha “Tears In Heaven” e “Change The World”, entre outros.

Na bagagem, ‘Clapton’, o novo CD

Eric Clapton vem ao Brasil para divulgar o seu vigésimo trabalho, intitulado tão somente Clapton [à esquerda, a capa], lançado em outubro do ano passado. Nele, o músico incluiu apenas uma canção autoral — a irresistível “Run Back To Your Side”, que conta com a participação do jovem guitarrista americano Derek Trucks.

Mas quem se importa? O artista escolheu a dedo covers da sua “praia” — o blues, claro — e de jazz. E brilha nas versões serenas de “Autumn Leaves” e “Rockin' Chair” — nas quais, aos 66 anos de idade, reflete sobre a passagem do tempo.

Clapton também se permitiu soar leve e bem-humorado tanto no fox “My Very Good Friend The Milkman” quanto em “When Somebody Thinks You're Wonderful”, que fala da adulação aos artistas. Em ambos os momentos, chega a lembrar — pasmem — Sinatra (!).

Contudo, os destaques do álbum são: o clássico “How Deep Is The Ocean”, escrito por Irving Berlin em 1932 (!); e, em especial, a pungente balada “Diamonds Made From Rain”, que traz Sheryl Crow nos vocais — e que, em um mundo ideal, estaria em alta rotação nas FMs.

A julgar por Clapton, o CD, o Brasil verá — e, principalmente, ouvirá— God ainda em alto nível. É só aguardar.

Ouça “Diamonds Made From Rain”:

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Paul McCartney em solo carioca

2011-06-17T23:10:00.003-03:00

Originalmente publicada em maio de 2011 no TomNeto.com.

Todo mundo sabe: Sir Paul McCartney [foto] tocará amanhã e segunda-feira, 23, no Estádio Olímpico João Havelange, o já famoso Engenhão, no Rio de Janeiro. Será a segunda passagem da turnê Up And Coming por terras brasileiras em menos de doze meses. Em novembro do ano passado, Macca se apresentou no Morumbi, em São Paulo, e no Beira-Rio, em Porto Alegre.

E convenhamos: seria de uma obviedade sem tamanho postar aqui, para mencionar o fato, algum dos clássicos dos Beatles, ou mesmo um hit do Wings ou de sua carreira solo.

Portanto, para mostrar que McCartney está (muito) distante de qualquer acomodação artística, uma boa pedida é a ousada “Don't Stop Running”, faixa que encerra o seu mais recente trabalho de estúdio, o surpreendente Electric Arguments [à esquerda, a capa do álbum], de 2008.

O CD foi creditado, na verdade, a The Fireman, o projeto paralelo que Paul desenvolve ao lado do DJ Youth, ex-baixista do Killing Joke, e que já rendeu três álbuns.

Climática e eletrônica, “Don't Stop Running” é a prova cabal de que, mesmo tendo ultrapassado os “sixty-four”, Paul McCartney ainda procura novos rumos para a sua carreira. E acha.

P.S.: a resenha que escrevi sobre Electric Arguments pode ser lida clicando aqui.

P.S. nº 2: a apresentação de amanhã, 22, será transmitida, ao vivo, em http://paul.terra.com.br/.

Veja o vídeo de “Don't Stop Running”, do The Fireman:

Roberto Carlos: 70 anos

2011-06-11T11:30:00.008-03:00

Publicado originalmente em abril de 2011 no TomNeto.com.

Do alto de meio século de uma carreira singular, Roberto Carlos [foto] tem muitos motivos pelos quais se orgulhar. Goste-se ou não dele, nenhum outro artista brasileiro possui números tão superlativos — na América Latina, vendeu mais até do que, pasmem... os Beatles (!).

Além de intérprete notável, RC é um compositor que, com a simplicidade de suas palavras, consegue tocar o coração de pessoas de todas as faixas etárias, de todas as classes sociais. Seja falando de amor ou de fé, o autor de “Emoções” é, sem sombra de dúvida, a voz do Brasil.

E, a exemplo de milhões de brasileiros, as canções de Roberto se entrelaçam com a história de minha vida. E isso vem desde a infância, nas celebrações do Natal na companhia de meus familiares — alguns, por sinal, já não estão vivos —, quando a trilha sonora sempre foi o seu novo álbum.

Sendo assim, não me constranjo em declarar a enorme admiração e sincero respeito que nutro por este homem. No meu íntimo, é como se RC fosse uma pessoa próxima, um amigo muito querido. E, de fato, sua música tem estado a meu lado durante todos esses anos.

Hoje, 19 de abril de 2011, Roberto completa 70 anos de idade. Fico feliz por ele estar vivo. Com saúde. E em plena atividade. Não sucumbiu diante de todos os momentos tristes que atravessou — e continua atravessando. Como disse (sabiamente) Caetano Veloso, “uma força” o leva a cantar. Somos privilegiados por ouvi-lo.

Em suma, Roberto Carlos é o Rei. De fato e de direito. Vida longa ao Rei.

Da série ‘Contos’: ‘Classes diferentes. A mesma paixão’

2011-06-11T11:30:00.007-03:00

Publicado originalmente em janeiro de 2011 no TomNeto.com.

Vinham os dois na mesma calçada, porém em sentido contrário: o rapaz escuro, suado, trajando roupas humildes, que trazia nas mãos uma caixa de drops, que certamente vende nos ônibus; e um moço branco, de óculos, pasta de executivo na mão, e impecavelmente vestido.

Como se combinassem, ambos entraram, no exato ponto em que cruzaram, em uma loja de artigos esportivos. E procuram, por coincidência, o mesmo objeto de desejo: a camisa do Flamengo.

Parados em frente à vitrine, fitam o uniforme rubro-negro – o atual, que traz no peito o escudo da CBF e, logo abaixo, a enorme logomarca da indústria de laticínios.

O silêncio é quebrado pelo rapaz arrumadinho, que dirige-se ao outro, dizendo:

— Pode falar, me'rmão: muito foda essa camisa, né não?

Embora estupefato pelo inesperado vocabulário saído da boca da figura a seu lado, o vendedor de balas ainda consegue balbuciar:

— Já é. Já é...

Moral da história: na paixão por um clube de futebol, os torcedores – independentemente de raça, credo ou classe social – tornam-se o que, de fato, são: iguais.

Três décadas sem John Lennon

2011-05-28T22:50:00.018-03:00

Publicado originalmente em dezembro de 2011 no TomNeto.com.

Exatos 30 anos após o precoce desaparecimento de John Lennon [no detalhe], aos 40 anos de idade, todos os pormenores da vida do ex-Beatle já foram amplamente destrinchados. Sua infância sofrida. Seu temperamento difícil. Sua (nada discreta) relação com a esposa, Yoko Ono. Seu ativismo político. Seu brutal assassinato. E, principalmente, seu inestimável legado artístico.

Sendo assim, só nos resta, mais uma vez... homenagear a sua memória.

“Quem souber dizer a exata explicação,

me diz como pode acontecer?

Um simples canalha mata um rei...

Em menos de um segundo...”

(“Canção do Novo Mundo”, Beto Guedes e Ronaldo Bastos)

‘Nobody Told Me’, do álbum póstumo Milk and Honey, de 1984.

John Lennon - Nobody Told Me por EMI_Music

‘Instant Karma!’, seu terceiro single solo, editado em 1970. Foi composta e gravada no mesmo dia. E chegou às lojas apenas dez dias (!) depois...

‘Look at Me’, do primeiro álbum lançado por John após o fim dos Beatles, Plastic Ono Band, de 1970.

‘Jealous Guy’, de seu segundo álbum pós-Fab Four, Imagine, de 1971.

John Lennon - Jealous Guy por guenael76

‘Oh My Love’, também de Imagine. Como podem perceber, a faixa tem a participação de George Harrison, na guitarra.

Lulu Santos: Acústico II – A Missão

2011-05-28T22:48:00.009-03:00

CD/DVD
Lulu Acústico II (Universal Music)
2010

Publicado originalmente em dezembro de 2010 no TomNeto.com.

Cantor rebobina mais sucessos e ‘lados B’ em novo especial da MTV

Em 2000, Lulu Santos quebrou um paradigma com o seu Acústico MTV: eram tantos hits que, pela primeira vez na série, um artista mereceu – além do habitual DVD – um CD duplo com o registro de sua apresentação. E o compositor carioca permaneceu como o detentor solitário da façanha até 2002, quando Jorge Ben Jor recebeu a mesma deferência.

Passados exatos dez anos, Lulu volta à carga com Lulu Acústico MTV II, que chega às prateleiras em CD – desta vez, simples – e DVD, realizado de forma independente, com distribuição via Universal Music.

Impossível não ceder à tentação de relacionar o Acústico atual com o anterior – dadas as suas diferenças e semelhanças. Para começo de conversa, o cantor dispensou o tradicional “banquinho”, permanecendo de pé durante toda a apresentação. E, sem repetir uma música sequer do especial da década passada, desfiou sucessos como “Um Pro Outro”, “Minha Vida” e a bela “Papo Cabeça”, e bons “lados B” como “Pra Você Parar”, “Brumário”, “Dinossauros do Rock” e a sentida “Auto Estima”, que fecha os trabalhos.

Além do talento como hitmaker, Lulu Santos, em comparação aos seus congêneres/contemporâneos, tem um trunfo: a enorme facilidade em reinventar a si próprio e ao seu cancioneiro, a todo momento. Isso fica claro em “Tudo Azul”, faixa-título de seu bem-sucedido álbum de 1984, que ressurge mais brasileira do que nunca. O mesmo vale para “Vale de Lágrimas”, de 2005 – uma de suas melhores canções recentes – cujo novo arranjo, com ares de... tango (!), realçou a dramaticidade da letra.

A outrora dançante “Baby de Babylon” lançada no ano passado, recebeu um roupagem bossa nova, com eventuais compassos de... reggae (!). Ficou interessante. Já a ótima “Já É!”, de 2003, mesmo desplugada, não perdeu o seu pulso disco.

No DVD, Lulu homenageia os seus três ‘santos’

A cantora Marina De La Riva – descrita pelo cantor como “indescritível” – é convidada especial da (excelente) versão hispânica de “Adivinha o Quê?” e, apesar da voz pequena, empresta puro charme à gravação. Simplesmente hilário o momento em que ela se dirige a Lulu, no idioma de Cervantes, dizendo “tremendo vacilón”. Detalhe: a flauta supriu perfeitamente a ausência do solo de guitarra.

O baixista Jorge Aílton, autor de “Atropelada” – gravada pelo anfitrião em Singular, o antecessor de Lulu Acústico MTV II – faz o vocal principal da sua “O Óbvio”. Com seu jeitão de hino, a mediana “E Tudo Mais”, que abre o espetáculo, é a única inédita.

Disponíveis apenas no DVD, as três faixas bônus são, na definição do próprio Lulu, “velas” acesas para os seus “santos”: Gilberto Gil, homenageado com “Ele Falava Nisso Todo Dia”; o já mencionado Jorge Ben Jor, com “Tuareg”; e Caetano Veloso, com “Odara”, que contou novamente com a participação de Marina De La Riva e também de Andrea Negreiros, vocalista da banda de Lulu. As duas primeiras já haviam sido gravadas pelo autor de “Certas Coisas” – em Letra & Música, de 2005, e Assim Caminha a Humanidade, de 1994, respectivamente. Apenas “Odara” é inédita na voz do cantor carioca.

Mesmo sem superar o primeiro Acústico – que trazia o supra-sumo de sua obra –, Lulu Acústico MTV II é um bom registro daquele que é um dos principais nomes da música brasileira. Considerando o autor que sempre foi, Lulu Santos, se tivesse nascido no Reino Unido, certamente estaria à altura de um Elton John...

Confira os vídeos de ‘Adivinha o Quê?’...

...de ‘Baby de Babylon’...

...e de ‘Já É!’:

Sting: agora, crooner de orquestra

2011-05-28T22:46:00.003-03:00

CD
Symphonicities (Deutsche Grammophon, edição nacional via Universal Music)
2010

Publicada originalmente em setembro de 2010 no TomNeto.com.

Contrariando quaisquer previsões, ex-Police relê suas canções dentro do universo sinfônico

Menos de ano após o seu mais recente trabalho, o invernal If On A Winter's Night..., Sting, mais uma vez, tomou uma decisão artística que certamente o seu público não imaginava. Na companhia da Royal Philharmonic Concert Orquestra, sob regência de Rob Mathes, iniciou – a princípio pelo Velho Continente – uma turnê na qual vertia suas canções para o formato sinfônico, intitulada Symphonicity.

No decorrer da excursão, convidou mais duas orquestras – The London Players e The New York Chamber Consort – e entrou em estúdio para registrar doze faixas, como uma espécie de “polaroide” do espetáculo. Assim surgiu o CD Symphonicities, que chega ao mercado pela gravadora alemã Deutsche Grammophon, com edição nacional via Universal Music. O título do álbum faz alusão a Synchronicity, de 1983, quinto e último trabalho de estúdio do Police.

Verdade seja dita: a maioria das canções de Sting – especialmente em sua carreira solo – parece ter sido feita sob medida para o acompanhamento de uma orquestra. Exemplos: a belíssima “When We Dance” (1984); “The End Of Game” (1999), cuja letra lembra um conto épico; a delicada “The Pirate's Bride” (1996); e “I Burn For You” (1982, gravada ainda no período em que o artista liderava sua antiga banda), todas presentes no álbum. Os arranjos, aliás – embora caprichados –, guardam alguma semelhança em relação aos originais.

Nesse sentido, são apenas quatro as faixas que verdadeiramente surpreendem: “Every Little Thing She Does Is Magic”, a primeira faixa de trabalho, que tornou-se um tema, digamos... primaveril; “She's Too Good To Me”, de seu terceiro álbum solo de estúdio, Ten Summoner's Tales (1993); a punk “Next To You”, do primeiro álbum do Police, com violoncelos from hell que lembram... Bach (!); e a manjada “Roxanne”, que adquiriu um clima um tanto... melancólico.

A ausência de impacto, entretanto, não compromete a qualidade de Symphonicities, que está repleto de bons momentos.

“I Hung My Head”, originalmente lançada em Mercury Falling, de 1996, conta a estória – ambientada em tempos antigos e cheia de imagens surreais – de um homem que, atirando a esmo em direção a uma colina, fere de morte um cavaleiro. E acaba condenado à guilhotina. Também foi gravada pelo lendário Johnny Cash em seu último trabalho, American IV: The Man Comes Around, de 2002.

Já a delicada “You Will Be My Ain True Love” é a única faixa que não aparece em nenhum outro álbum de Sting. Foi gravada originalmente em 2003, em um dueto com a cantora de bluegrass Alison Krauss, para a trilha do filme Cold Mountain. Completam o repertório a indignada “We Work The Black Seam” e a sempre eficiente “Englishman In New York”.

Symphonicities é o retrato de um artista orgulhoso de sua obra. E com toda a razão: não resta dúvida de Sting é um dos melhores autores pop ever. E tem lastro suficiente para lançar vários volumes de discos sinfônicos com suas músicas.

Contudo, não seria má ideia se o ex-Police editasse um novo álbum de inéditas – o último foi o bom Sacred Love, de 2003 (!).

20 anos sem Cazuza

2011-05-19T19:41:00.004-03:00

Publicada originalmente em julho de 2010 no TomNeto.com.

Duas décadas após o seu desaparecimento, o poeta continua vivo

Hoje, 07 de julho de 2010, completam exatos 20 anos da morte de Cazuza [foto]. Ainda lembro, como se fosse ontem, do dia de seu falecimento. Inclusive, ainda adolescente, compareci ao sepultamento – e acabei aparecendo, de perfil, em uma foto publicada na revista Contigo!.

A essa altura, tudo já foi dito sobre o poeta e sua obra. Por sinal, em maio de 2008, quando ele completaria 50 anos de idade, escrevi uma matéria sobre a efeméride para o jornal International Magazine. A mesma também pode ser lida no portal Let's Rock.

Em referência à data, deixo aqui uma canção pouco conhecida, parceria dele com Gilberto Gil. Composta em 1987, “Um Trem para as Estrelas” foi registrada inicialmente para a trilha do filme homônimo, de Cacá Diegues, em um dueto do ex-vocalista do Barão Vermelho com o autor de “Refazenda”. No ano seguinte, contudo, Cazuza a regravou, solitariamente, em seu terceiro – e melhor – álbum solo, Ideologia.

A letra traz uma crítica social dura:

São sete horas da manhã

Vejo o Cristo da janela.

O sol já apagou sua luz

E o povo, lá embaixo, espera.

Nas filas dos pontos de ônibus,

Procurando aonde ir.

São todos seus cicerones –

Correm para não desistir

Dos seus salários de fome

E a esperança que eles têm...

E demonstra uma certa... er, descrença. Como se toda a beleza da paisagem da cidade fosse, de fato – como diz a obra-prima de Antônio Carlos Jobim e Aloysio de Oliveira –, “inútil”:

Estranho o teu Cristo, Rio

Que olha tão longe, além

Com os braços sempre abertos

Mas sem proteger ninguém.

Após duas décadas de ausência, o poeta, decididamente, ainda está vivo.

Veja o vídeo de “Um Trem para as Estrelas”, com Cazuza e Gilberto Gil...

...também a versão que o ex-Barão Vermelho gravou sozinho, no álbum Ideologia:

Inaugurando a série ‘Crônicas’: A ‘utilidade pública’ da novela

2011-05-19T19:40:00.001-03:00

Publicado originalmente em maio de 2010 no TomNeto.com.

Apesar de não assistir novelas, tenho enorme respeito pelos profissionais responsáveis pela realização das mesmas: autores, atores, diretores, etc. Não há como negar que trata-se de um produto muito bem acabado – não por acaso, são “exportadas” para vários países.

E é ainda mais louvável quando a novela extrapola a mera função de entreter e começa a exercer também uma espécie de “papel social”.

Explico: no momento em que Luciana, personagem de Alinne Moraes em Viver a Vida, tentava retomar a vida após o acidente que a deixou tetraplégica, observei, gratificado, que havia, nas ruas – e mais especificamente nos shopping centers – um número muito superior de cadeirantes do que costumava ver até então.

Mera coincidência? Não creio.

Ouso dizer que a trama de Manoel Carlos [foto] “encorajou” portadores de necessidades especiais a superaram as suas limitações e – perdoem o clichê – “viverem a vida”. Sobretudo porque é perceptível que existe, atualmente, uma preocupação maior, até mesmo nos transportes públicos, com a questão da acessibilidade.

Embora ainda esteja muito longe do ideal...

A arte, enquanto entretenimento, não tem obrigação de ser “panfletária”, “engajada”. Contudo, quando passa também a prestar “utilidade pública”, ela se enobrece. E torna-se muito mais do que apenas “circo”.

Outside Groove Cats: cardápio variado

2011-05-19T19:37:00.001-03:00

CD-demo

Outside Groove Cats (independente)

2010

Publicado originalmente em maio de 2010 no TomNeto.com.

Em seu primeiro CD-demo, quarteto carioca incorpora muitas influências, mas sem se perder

O Outside Groove Cats surgiu, a princípio, como um duo, formado pela vocalista Mia Baxtet e pelo guitarrista Alex C. Durante algum tempo, a dupla atuou como um projeto de estúdio, tendo o auxílio dos produtores André Bassman e Greg Gonzales. Entre as influências, o tecnopop da década de 1980 e 1990, de grupos como Depeche Mode, Duran Duran, Portishead e outros.

Pouco a pouco, o trabalho foi evoluindo, o que fez com que outras informações fossem incorporadas à “receita” dos músicos: Talking Head, Fletwood Mac e Blondie, além de ritmos brasileiros. Nesse intervalo, André passou a integrar a banda, como baixista. E, posteriormente, o experiente baterista Hugo Freitas juntou-se a eles – sendo esta a formação definitiva.

E eis que o OGT acaba de dar mais um importante passo em sua trajetória: o seu primeiro CD-demo – com um belo projeto gráfico –, trazendo quatro faixas (muito) bem produzidas, todas com letras em inglês: “Good Cat Gonna Bad”, “Ocean”, “Too Late” e “Leave Me In Peace”.

Alternando momentos dançantes e introspectivos, o quarteto carioca mostra personalidade. Na sensual “Gonna Cat Gonna Bad”, em meio a um baixo bem marcado e uma guitarra wah-wah, ouve-se um instigante... tamborim (!). Já “Ocean” é melodiosa, um tanto melancólica.

Em “Too Late”, entre sequenciadores, a calmaria permanece – reparem um certo clima... étnico no arranjo. A pop “Leave Me In Peace” fecha a bolacha com um astral totalmente oitentista.

Apesar do “caldeirão” de influências, o Outside Groove Cats consegue manter a unidade, sem se perder. Que o primeiro CD “de verdade” não tarde a chegar.

Inaugurando a série ‘Contos’: ‘Tudo posso. Tudo mesmo’

2011-05-19T19:36:00.001-03:00

Publicado originalmente em maio de 2010 no TomNeto.com.

Domingo de sol. Por volta das 16h. Depois de quilômetros de trânsito fluido na Via Dutra – apesar do tráfego intenso –, chego em um ponto de retenção. Acidente ou obra na pista – ainda não é possível saber.

Minutos passam e os carros permanecem praticamente parados. Até onde consigo enxergar, trata-se de um engarrafamento de... quilômetros.

Nisso, alguns motoristas menos pacientes começam a trafegar pelo acostamento. Entre eles, uma pick-up preta, que passa por mim em uma velocidade considerável. Mesmo assim, consigo ver as letras brancas, garrafais, impressas no vidro traseiro do veículo: “Tudo posso em Jesus”.

Silenciosamente, concluí:

— É, “tudo pode” mesmo. Até trafegar pelo acostamento...

Jobim, por eles e elas

2011-05-19T19:24:00.005-03:00

CDs

Aqui Tem Tom - Volumes 1 e 2 (Som Livre)

2010

Publicado originalmente em abril de 2010 no TomNeto.com.

Os dois volumes da compilação ‘Aqui Tem Tom’ alternam, como de praxe, bons e maus momentos

Passados quinze anos de seu desaparecimento, ocorrido no dia 08 de dezembro de 1994, a atemporal obra de Antônio Carlos Jobim – mesmo sem ter a sua grandiosidade plenamente reconhecida – continua sendo revista e cultuada. Prova disso é a compilação Aqui Tem Tom, disponível em dois volumes – vendidos separadamente –, que chega às prateleiras via som Livre.

Muitas vezes, all star tributes são verdadeiros balaios de gato. Contudo, ao lado de deslizes típicos de projetos desta natureza, Aqui Tem Tom apresenta bons momentos.

Acompanhada por Hélio Delmiro, Calcanhotto brilha

O volume 1, inteiramente dedicado a intérpretes femininas, consegue, no frigir dos ovos, um bom aproveitamento. Tem Maria Bethania, à vontade, em “Anos Dourados”. Tem Nana Caymmi, transformando “Insensatez” em uma canção sua. Tem Joyce, perfeita, em “Discussão”. E tem Elis Regina, introspectiva, em “Sabiá”.

Mas, por outro lado, tem Gal Costa – embora afinadíssima como sempre – errando a letra de “Se Todos Fossem Iguais a Você” (em vez de “a sua vida / é uma linda de amor”, a baiana cantou “vai, sua vida / é uma linda de amor”). Tem Isabella Taviani lutando contra a própria grandiloquência – e eventualmente perdendo – em “Caminhos Cruzados”. E Beth Carvalho concedendo ao clássico “Chega de Saudade” um inadequado acento sambão joia.

Tais deslizes, entretanto, não chegam a comprometer o trabalho, que também traz Fernanda Takai, Roberta Sá e Paula Toller, corretas em “Estrada do Sol”, “Brigas Nunca Mais” e “Por Causa de Você”, respectivamente.

O grande destaque, porém, é Adriana Calcanhotto, acompanhada pelo violonista Hélio Delmiro, na bela versão de “O Amor em Paz”, gravada para o CD 3 do Songbook Vinícius de Moraes, idealizado pelo falecido produtor Almir Chediak.

Ouça “O Amor em Paz”, com Adriana Calcanhotto...

...e “Sabiá”, com Elis Regina:

Djavan e a versão definitiva de ‘Correnteza’

Já o volume 2, que conta apenas com vozes masculinas, tem como trunfos, por exemplo, a versão delicada de Caetano Veloso para “Eu Sei que Vou te Amar” – que cita “Dindi” e “De Você, Eu Gosto” – e o saudoso Tim Maia, na companhia dos d'Os Cariocas, em uma boa versão de “Ela É Carioca”. Mas, de um modo geral, fica inegavelmente aquém de seu correlato.

Lenine, por exemplo, nada acrescentou à obra-prima “Wave” – será que o temperamental João Gilberto não autorizou que a sua versão fosse incluída neste projeto? Igualmente inexpressiva – ainda que esforçada – é a releitura de “Waters of March”, versão anglófona de “Águas de Março”, cometida por Art Garfunkel, metade do extinto duo com Paul Simon.

Sem contar a insuportável versão de Sergio Mendes e will.i.am para o ótimo tema “Surfboard”.

Mas nem tudo está perdido: há também Djavan, na versão definitiva de “Correnteza”. Há o swing de Wilson Simonal em “Só Tinha de Ser com Você” – que, contudo, não supera a (insuperável) gravação de Elis Regina, do álbum Elis & Tom (1974). Há Ed Motta, acompanhado ao piano por Daniel Jobim, saindo-se muito bem na intrincada melodia de “Por Toda a Minha Vida (Exaltação ao Amor)”.

Há também Chico Buarque, convincente no ancestral registro de “Retrato em Branco e Preto (Zíngaro)” – cuja letra, por sinal, foi escrita pelo próprio Chico. E, como curiosidade, há um mergulho nas raízes gaúchas, na pouco conhecida “Rodrigo, Meu Capitão”, parceria de Jobim com Ronaldo Bastos, originalmente lançada na trilha sonora de O Tempo e o Vento, na voz de Zé Renato.

Ouça “Eu Sei que Vou te Amar”, com Caetano Veloso...

...e “Por Toda a Minha Vida (Exaltação ao Amor)”, com Ed Motta:

Ideal para neófitos

Os dois volumes de Aqui Tem Tom oferecem, portanto, um pequeno aperitivo do vasto cancioneiro do autor de “Garota de Ipanema” – curiosamente, a canção está ausente de ambos os CDs. Sendo assim, acabam sendo uma boa pedida para os neófitos.

Contudo, para quem quer realmente se aprofundar nos originais do Maestro Soberano, ficam algumas dicas: os ótimos Elis & Tom (1974) e Terra Brasilis (1980), o derradeiro Antônio Brasileiro (1994), a compilação – editada para o mercado americano – Finest Hour (2000), além do excelente Inédito, gravado ao vivo no estúdio em 1987.

George Michael: o (quase) Rei do Pop

2010-05-19T18:03:00.005-03:00

DVD

Live In London (Sony Music)

2010

Resenha originalmente publicada em abril de 2010, no TOM NETO.COM.

Em seu primeiro DVD, cantor mostra que poderia ter ido ainda mais longe – se não fossem os percalços

Em 1987, ao lançar Faith, seu primeiro álbum após o fim do duo Wham!, George Michael simplesmente quebrou tudo. Vendeu quinze milhões de cópias e gerou singles de sucesso como “I Want Your Sex”, “Kissing a Fool” e a faixa-título, entre outros. Foi, provavelmente, a mais séria ameaça ao reinado pop de Michael Jackson. George, entretanto, tinha outros planos para seu segundo disco solo.

Lançado em 1990, Listen Without Prejudice, é um trabalho introspectivo, no qual o artista tentou se desvencilhar da imagem de sex symbol. Tal “insolência” causou insatisfação na sua então gravadora, a Sony Music, e uma ação judicial que deixou o cantor “na geladeira” durante seis anos. Somem-se a isso os recentes escândalos (homos)sexuais, e pode-se ter uma ideia do quão... er, turbulenta tem sido a trajetória de GM.

De modo que o seu primeiro DVD, o duplo Live In London, também disponível em blu-ray – mas não em CD –, acaba colocando as coisas “nos seus devidos lugares”. Gravado nos dias 24 e 25 de agosto de 2008 (!), o espetáculo fez parte da turnê 25 Live – anunciada como a última de sua carreira –, que promoveu a coletênea Twenty Five.

Na arena londrina de Earls Court absolutamente lotada, George Michael, acompanhado de um impecável aparato de som, luzes e telões, resumiu a sua discografia de maneira generosa. E o show começa o pé direito, com a bela “Waiting (Reprise)”: a canção (“Há um caminho de volta para todo homem / Por isso estou aqui (...) / Será tarde demais para tentar de novo? / Aqui estou eu”) é entoada em off até o último verso, quando o cantor faz a sua entrada triunfal.

O repertório incluiu desde hits do Wham! – como “Everything She Wants”, “I'm Your Man” e até o seu maior êxito, a renegada “Careless Whispers”, que ele recusou-se a cantar ao vivo durante anos – até os seus sucessos solo – como “Freedom '90” e “Fastlove”. E não esqueceu (boas) faixas recentes como “Amazing”, “Flawless (Go To The City)” e “My Mother Had a Brother”, que fala sobre o tio de George – também gay –, que suicidou-se exatamente no dia em que ele nasceu.

Em ‘Shoot The Dog’, o momento polêmico do show

Um tanto distante da imagem de galã – não ostenta mais o topete de vinte anos atrás –, George Michael ainda é um grande artista em cima de um palco. Experiente – tinha 45 anos na ocasião da gravação –, teve astúcia para alternar números dançantes, como “Too Funky” e “Outside” – na qual, a exemplo do debochado clipe, vestiu-se de policial –, com momentos mais suaves, como as tristonhas “A Different Corner”, seu primeiro single solo, e “You Have Been Loved”, que mostra no telão imagens de pessoas próximas ao cantor que já faleceram.

Como intérprete, ainda mostra grande competência. Mas claramente passou a evitar os falsetes – outrora uma de suas marcas registradas...

Destaque para a lânguida “Father Figure”, a arrepiante versão gospel de “One More Try” – que já havia sido lançada como lado B de um single em 1996 – e uma versão demolidora de “Spinning The Wheel”, que não deixou pedra sobre pedra. Em “Shoot The Dog”, o momento polêmico do show: um cachorro inflável “vestido” com as cores da bandeira do Reino Unido parece fazer sexo oral em um enorme boneco (igualmente inflável) de George W. Bush...

No DVD 2, há o documentário I'd Know Him a Mile Off, que mostra os bastidores da turnê, além de três faixas bônus: “Precious Box”, “Jesus To A Child” e “First Time Ever”.

Em suma, Live In London é um excelente DVD de um autor pop – digam o que disserem – do calibre de um Elton John. E que faz pensar aonde George Michael poderia ter chegado, se não fossem os... tropeços. Para coroar sua “volta por cima”, falta apenas um álbum de inéditas, o primeiro desde Patience, de 2004. Mas isso talvez seja pedir demais...

Veja os vídeos de “A Different Corner”...

...da versão “gospel” de “One More Try”...

...de “Father Figure”...

...e de “Spinning The Wheel”:

Da série ‘Discos para se Ter em Casa’: ‘Songs From The Last Century’, de George Michael

2010-05-19T18:02:00.002-03:00

CD
Songs From The Last Century (Virgin)
1999

Originalmente publicado em março de 2010, no TOM NETO.COM.

Na virada do século, cantor arriscou-se em um repertório de ‘standards’. E saiu-se muito bem

Em 1999, George Michael decidiu “se presentear” com um projeto especial: um disco de crooner. E não fez por menos: no repertório de Songs From The Last Century, o cantor inglês reúne, em sua maioria, imorredouros standards norte-americanos. E o que poderia resultar em um desastroso “turismo aprendiz”, acabou rendendo um CD classudo, com um indisfarçável acento jazzístico.

Cantando simplesmente o fino na ocasião, GM não se intimidou diante do risco de reler faixas eternizadas por monstros sagrados como Frank Sinatra e Nina Simone. Aventurou-se, inclusive, em arranjos de big band, como é o caso de “My Baby Just Cares For Me”, “Secret Love” e “Brother Can You Spare A Dime?”. E saiu-se muito bem.

Songs From The Last Century foi produzido pelo experiente Phil Ramone, que já pilotou álbuns de artistas do calibre de Ray Charles, Quincy Jones, Bob Dylan e do já mencionado Sinatra, entre outros. E, com ele, era clara a intenção de George Michael de se distanciar ainda mais da imagem do rebolativo cantor de “Faith”.

Como recomendou o próprio George, no título de seu segundo álbum solo, de 1990: ouça sem preconceito.

‘Brother Can You Spare A Dime?’, ‘Roxanne’ e ‘You've Changed’

2010-05-19T18:01:00.000-03:00

‘Brother Can You Spare A Dime?’

“Brother Can You Spare A Dime?”, escrita em 1931, foi uma das mais conhecidas canções americanas do período conhecido como “Grande Depressão”, que atingiu o planeta durante a década de 1930.

A letra mostra a visão de um operário que, através de seu trabalho, ajuda a trazer o progresso, mas não usufrui dele: “Certa vez, construí uma ferrovia / fiz com que ela seguisse / fiz com que ela corresse contra o tempo. / Certa vez, construí uma ferrovia / e, agora, ela está feita. / Amigo, pode me arranjar dez centavos?”

Bing Crosby, Tom Waits, Barbra Streisand e Tom Jones são alguns dos artistas que já gravaram esta faixa.

‘Roxanne’

“Roxanne”, do Police [foto], foi vestida por George Michael com uma roupagem cool jazz. Chet Baker ficaria orgulhoso.

A estória do indivíduo que se apaixona por uma profissional do sexo – e tenta demovê-la da ideia de prosseguir neste ofício – ganhou elegância.

Inclusive, o próprio Sting, autor de “Roxanne”, regravou a canção em seu CD ao vivo ...All This Time, de 2001 – ou seja, dois anos depois de Songs... –, com um arranjo intimista, que, em dado momento, assemelha-se bastante com o de GM [saiba mais aqui].

Curiosidade: no início do vídeo da canção – que pode ser visto logo abaixo –, há a informação que as gravações foram realizadas no bairro de Red Light, em Amsterdã, Holanda, famoso pelo sex trade. E que as pessoas envolvidas na filmagem não eram... er, atores...

Nos créditos, a notícia (verdadeira?) de que a protagonista do clip, Franciska – cujo nome “de guerra” é justamente... “Roxanne” – abandonara as ruas...

‘You've Changed’

“You've Changed” foi composta em 1941 e recebeu mais de trinta (!) gravações, de nomes que vão de Nat King Cole a Sarah Vaughan, passando por Marvin Gaye, Joni Mitchell e Diana Ross.

A versão mais conhecida, entretanto, é a de Billie Holliday, de 1958. “Você mudou / Você esqueceu as palavras ‘eu te amo’ / E cada memória que partilhamos / (...) Você não é mais o anjo que um dia conheci”, lamenta a desencantada letra.

‘My Baby Just Cares For Me’, ‘The First Time Ever I Saw Your Face’ e ‘Miss Sarajevo’

2010-05-19T18:00:00.000-03:00

‘My Baby Just Cares For Me’

Embora já tenha sido gravada por Mel Tormé, pelo supracitado Nat King Cole e até por Cyndi Lauper (!), a versão mais famosa de “My Baby Just Cares For Me” é a de Nina Simone, de 1958.

Em sua gravação, George Michael deixa no ar uma conotação... er, ambígua: no verso “Liz Taylor não faz o estilo dele / e nem o sorriso de Lana Turner”, troca o nome de Turner pelo de... Ricky Martin...

‘The First Time Ever I Saw Your Face’

“The First Time Ever I Saw Your Face” foi composta em 1957. A gravação mais bem sucedida é a de Robert Flack, de 1969: “A primeira vez em que vi o seu rosto / Pensei que o sol raiou em seus olhos. / A lua e as estrelas foram os presentes que você deu/ aos céus escuros e vazios”.

A (ótima) versão de George é provavelmente o momento mais tocante do álbum.

‘Miss Sarajevo’

“Miss Sarajevo” foi lançada pelo U2, na companhia do finado Luciano Pavarotti [no detalhe], no projeto especial Passengers: Original Soundtrack I, de 1995. A correta gravação de GM nada acrescenta à colaboração do grupo irlandês com o tenor italiano – embora tenha obtido relativo sucesso radiofônico.

O clipe mistura imagens de belas misses misturadas a cenas de guerra na capital da Bósnia.

‘I Remember You’, ‘Secret Love’ e ‘Wild Is The Wind’

2010-05-19T17:58:00.001-03:00

‘I Remember You’

Em 2011, “I Remember You” completará, pasmem, 70 anos de idade (!) – foi composta em 1941. De lá para cá, recebeu inúmeras versões, como a de Ella Fitzgerald e, mais recentemente, da supracitada Diana Krall.

George Michael optou por gravá-la de maneira suave, acompanhado apenas por uma harpa. Ficou bonito.

‘Secret Love’

Escrita em 1953, “Secret Love” foi lançada em single por Doris Day naquele mesmo ano. Desde então, foi gravada por mais de uma dezena de artistas – entre eles, a canadense k. d. lang e Frank Sinatra.

Ao som de metais em brasa para Tony Bennett nenhum colocar defeito, George Michael... brilha. “Certa vez, tive um amor secreto / que vivia dentro de meu coração”, suspiram os ingênuos versos.

Em 1995, “Secret Love” recebeu uma versão em português de Dudu Falcão, chamada “Um Segredo e um Amor”, que foi registrada por Jorge Vercillo para a trilha da novela Cara e Coroa.

‘Wild Is The Wind’

A primeira gravação de “Wild Is The Wind” foi de Johnny Mathis, em 1957, para a trilha sonora do filme homônimo. Em 1966, recebeu uma versão de Nina Simone, considerada a mais bem-sucedida.

A letra é pura paixão: “Você me toca – ouço o som de bandolins / Você me beija – com seu beijo, minha vida começa”.

Curiosidade: David Bowie [foto], fã de Nina, encontrou-se casualmente com a cantora em Los Angeles, na década de 1970. Desse encontro, o cantor inglês teve a ideia de regravar “Wild Is The Wind”. Sua (boa) releitura aparece no álbum Station to Station, de 1976.

‘Where Or When’ e ‘It's Alright With Me’

2010-05-19T17:54:00.002-03:00

‘Where Or When’

“Where Or When”, de 1937, é uma criação da renomada dupla de compositores Richard Rodgers e Lorenz Hart.

Já foi regravada por mais de oitenta (!) artistas: de Sammy Davies Jr. a Bryan Ferry, passando por Jane Birkin e Ray Conniff, além do já mencionado Frank Sinatra [no detalhe]. Recentemente, recebeu um registro da canadense Diana Krall, em seu ótimo Quiet Nights, lançado no ano passado.

A letra é um tanto... er, mística – fala, de maneira cifrada, de “vidas passadas”: “Algumas coisas que acontecem pela primeira vez / parecem estar acontecendo novamente. / E parece que já nos encontramos antes / e rimos antes / e nos amamos antes / mas quem sabe onde e quando?”

Uma faixa simplesmente impecável, digna do melhor do cancioneiro norte-americano. E que George Michael releu com competência.

‘It's Alright With Me’

“It's Alright With Me”, de Cole Porter, é a “faixa escondida” do CD – começa quase um minuto após o final de “Where or When”. O curioso é que, em um disco de crooner, ela aparece em uma versão... instrumental.

Bem, ele devia saber o “recado” que queria dar...

Lobão: biografia ‘em praça pública’

2010-04-29T23:43:00.002-03:00

Matéria originalmente publicada em março de 2010 no TOM NETO.COM.

Em uma iniciativa pioneira, cantor escreve sua biografia diante de internautas

Aos 52 anos da idade – completará 53 em outubro –, o cantor, compositor, instrumentista e apresentador da MTV (ufa!) Lobão decidiu escrever as suas memórias. 50 Anos a Mil – o título é um corruptela de versos de “Decadence Avec Élégance” (“É melhor viver dez anos a mil do que mil anos a dez”) – está sendo escrito a quatro mãos pelo Grande Lobo em parceria com o jornalista Cláudio Tognolli.

Perguntado se utilizaria os serviços de um ghost writer, Lobão respondeu bem ao seu estilo, mencionando outra canção, a bela “Você e a Noite Escura”:

– Sempre fui o meu próprio fantasma – gracejou.

Contudo, diferentemente de qualquer outra biografia, 50 Anos a Mil apresenta uma particularidade: está sendo escrita praticamente... “em público”. Ou seja, à medida em que a narrativa avança, o autor de “Vida Louca Vida” disponibiliza, através de seu Twitter, pequenos trechos da obra – que ele prefere chamar de “pílulas” – aos seus mais de dezessete mil seguidores.

– Os trechos não são todos “sintetizáveis”. Além do mais, escolho randomicamente: às vezes, dá; às vezes, não. Mas acho isso bom – explica.

No livro, Lobão repassa sem pudores – e com muito bom humor – toda a sua, segundo o próprio, “atribulada” vida, sem excluir passagens traumáticas, como a sua prisão por porte de entorpecentes e a “expulsão” do palco do Rock In Rio II, debaixo de uma chuva de latas arremessadas por metaleiros.

– Sou um cara mais confessional do que gostaria de ser. Acho que torceria para ser uma criatura mais cool – divaga.

Quatro CDs e um DVD acompanharão o livro

Após anos de embates com determinados setores da mídia, Lobão não esconde a alegria de permanecer “vivo” – leia-se: artisticamente relevante:

– Não só me alijaram, como também me decretaram inúmeros atestados de óbitos! – debocha – E agora, eu aqui, vivinho, vou contando essas coisas...

O músico não deixa de detalhar o processo de gravação de seus discos, analisando a todos sem auto-indulgência:

– Cuidado! foi justamente o que mais faltou em toda a produção desse álbum – que, aliás, poderia ter sido um compacto duplo, com “Esfinge de Estilhaços” e “Pobre Deus” no Lado A; e “O Eleito” e “Por Tudo Que For” no Lado B – fulmina.

O livro será acompanhado por quatro CDs com as melhores faixas de sua discografia – escolhidas pelo próprio Lobão –, além de seu único DVD, Acústico MTV, ganhador do Grammy Latino de 2007, na categoria Melhor Álbum de Rock [no detalhe, o artista exibe, feliz, a estatueta].

50 Anos a Mil sairá em outubro, pela editora Nova Fronteira. Para ler as “pílulas” de Lobão, basta acessar o Twitter do artista: http://twitter.com/lobaoeletrico.

Lobão: minha primeira resenha

2010-04-29T23:39:00.003-03:00

Resenha originalmente publicada em março de 2010 no TOM NETO.COM.

O ano era 1992. Eu estava concluindo o Ensino Médio, ainda sem saber o que fazer da vida. Mas já gostava (muito) de música naquela época. Aliás, meu interesse pelo assunto surgiu no tempo das fraldas...

Até que, uma bela manhã, abri o jornal. E vi uma nota sobre um show que Lobão faria, naquele mesmo dia, na Concha Acústica da UERJ. Entrada franca. “Estou dentro!”, pensei.

Na volta para casa, tive um impulso de... escrever a resenha da apresentação – que, permaneceu inédita até o prezado momento. Não me perguntem por que fiz isso – até hoje, não saberia responder.

Creio que, por não ter levado a máquina fotográfica, quisesse “registrar” aquele evento de alguma forma. O mais curioso é que, naquele instante, jamais me passava pela cabeça me envolver algum dia com jornalismo musical.

De 1993 para cá, muita coisa aconteceu. Tanto na carreira de Lobão quanto na minha vida. Portanto, a matéria em questão está sendo publicada aqui apenas à guisa de curiosidade. E (quase) sem edição...

Show
Projeto Brahma – O Primeiro do Meio-dia
Lobão, Boca Livre e Cássia Eller
Local: Concha Acústica da UERJ (Rio de Janeiro)
Dezembro de 1992

Em formato acústico, Lobão, Cássia Eller e Boca Livre fazem show para plateia barulhenta

Pelo nome, o evento deveria começar ao meio-dia. Deveria. Cheguei apenas quinze minutos antes desse horário, esbaforido, imaginando estar atrasado. Na porta da UERJ, uma fila imensa – não sei como esse pessoal coube inteiro lá dentro – e um sol de rachar. Por volta das 13 horas, os portões foram abertos, na maior organização.

Após mais quinze minutos de espera, entra o apresentador do show: Fernando Vanucci (“Alô, você!”). Sabe-se lá Deus por que, a claque não perdoou: “Viado! Viado!”. Simpático, Vanucci fez ouvido de mercador. E auto-ironizou: “Pois é, todo mundo se espanta de como sou baixinho...”

Para “fazer hora”, o apresentador fez uma espécie de gincana, com perguntas sobre a carreira dos três artistas que se apresentariam. Quem acertasse, ganharia um chopp do patrocinador do evento. Em se tratando de crianças – havia crianças no local, sabia? –, ganhava um guaraná.
Logo após a brincadeira, Vanucci chamou ao palco a primeira atração:

BOCA LIVRE

Formado por Zé Renato (violão e voz), Maurício Maestro (contrabaixo e vocal), Lourenço Baeta (violão e vocal) e o ex-Vímana Fernando Gamma (violão e vocal), o quarteto (ironicamente) tocou apenas... quatro músicas: “Feito Mistério”, “Ponta de Areia”, e seus dois maiores sucessos, “Toada” e “Quem Tem a Viola”

Além de bons instrumentistas, os integrantes são impecáveis nas harmonias vocais. Destaque também para a luz e o som do evento – que estavam simplesmente perfeitos.

CÁSSIA ELLER

Muito bem recebida pelo público, a cantora entrou no palco com seu violão a tiracolo, e visual despojado: jeans e uma t-shirt larga – o que dava a uma certa de impressão de... hã, fragilidade à sua figura. Mas isso só até o momento em que abriu a boca. A voz extensa de Cássia parecia fazer tremer as paredes do auditório.

A apresentação começou com “Sensações”, de Luiz Melodia. E prosseguiu com a versão rasta de “Eleanor Rigby”, dos Beatles. Na terceira música, a gay “Rubens”, a plateia já estava na mão de Cássia. Na sequência, o rock vigoroso “Não Sei o Que Eu Quero da Vida” chutou para longe o conceito de que o-banquinho-e-o-violão estão sempre associados à bossa nova.

Finalizando a surpreendente apresentação, a sua bem-sucedida de versão de “Por Enquanto”, da Legião Urbana, com citação dos Beatles de “I've Got a Feeling”. Com a potência de sua voz, e sua “entrega” no palco, Cássia vai longe.

E chegou a vez do astro da tarde.

LOBÃO

Delírio total do público: o Grande Lobo entra cena, de cabelos curtos, t-shirt lisa, bermuda quadriculada, tênis com meia soquete – visual totalmente clean. Com a tulipa de chopp na mão – devido ao calor, o artista bebeu várias durante o show – e desbocado com sempre, negou que estivesse “light”, como Fernando Vanucci o apresentou.

Eis o set list, com os comentários do músico:

* “Por Tudo o que For”

* “Help” (Ao tocar o clássico dos Beatles, Lobão não perdeu a piada: “Essa o Collor deve estar cantando agora...”)

* “Essa Noite, Não” (“Essa é a melô do suicida frustrado. Ou vice-versa.”)
* “Noite e Dia / Me Chama” (“Duas canções que a Marina Lima gravou.”)
* “Bangu x Polícia 0” (Para esse número, Lobão chamou ao palco Ivo Meirelles)

* “Panamericana (Sob o Sol de Parador)” (“Essa é sobre uma imaginária República das Bananas, com dezenove perguntas para nenhuma resposta.”)

* “E o Vento te Levou”
* “Chorando no Campo” (“Uma canção meio country”)
* “Vida Bandida” (“Me inspirei no Jorge Ben Jor para arranjar essa.”)
* “Mal Nenhum” (“A minha primeira parceria com o Cazuza. Adoro essa música.”)

* “Decadence Avec Élégance” (“Em 1985, me pediram para fazer uma música para uma novela da Globo sobre o mundo das passarelas, chamada Ti Ti Ti. Pensei em falar sobre o oposto da elegância das modelos. Aí saiu: ‘Você não sabe a arte de saber andar /nem de salto alto nem de escada rolante.’ E é uma canção bilíngue – o refrão é em francês.”)

* “Corações Psicodélicos” (“Não sei se vai sobreviver assim, sozinha ao violão”. Sobreviveu, sim)

* “Rádio Blá”
* “Revanche”.

No intervalo entre uma canção e outra, Lobão pedia silêncio à plateia. E não era atendido.

– Vocês são revolucionários. A geração ‘cara-pintada’. Vocês são inteligentes, porra! Este é um show universitário, não o Xou da Xuxa! – disparou.

Até que, em um determinado momento, o artista perdeu a paciência. E deixou o palco, levando o violão em uma das mãos. E a tulipa na outra.

Alguns aplaudiram a atitude do músico. Outros vaiaram. Após levantar de seu banquinho, Lobão deu três passos. Parou. E voltou ao microfone, destilando ironia: “Vocês são demais, tá?”. E retirou-se em definitivo. Fernando Vanucci, sem ação, não sabia o que dizer.

Final de show. Bolas de aniversário caindo do teto do auditório. Tudo muito bonito. No repertório de Lobão, porém, ficaram faltando sucessos como “Vida Louca Vida” e “Canos Silenciosos”. A despeito disso, foi uma apresentação memorável. Que os “caras-pintadas” não souberam apreciar devidamente.

Júlio Barroso: a promessa não-cumprida do rock nacional

2010-04-29T23:31:00.006-03:00

Originalmente publicado em março de 2010 no TOM NETO.COM.

O disc-jockey, poeta e jornalista carioca Júlio Barroso [foto] foi, sem dúvida, a grande promessa não-cumprida do rock nacional.

Gravou, em 1983, um único disco com à frente da Gang 90, Essa Tal de Gang 90 & as Absurdettes, com o qual emplacou três hits: a ótima “Nosso Louco Amor” (tema da novela Louco Amor, de Gilberto Braga, exibida naquele mesmo ano), “Perdidos na Selva”* (regravada, com sucesso, pelo Barão Vermelho, em 1996), e “Telefone” (que recebeu, em 1999, uma versão do Ira!, com participação de Fernanda Takai).

Barroso morreu no dia 06 de julho de 1984, aos 30 anos, ao cair da janela de seu apartamento – no 11º andar –, em São Paulo, em circunstâncias não esclarecidas até hoje. Fica a certeza de que seria um ídolo da envergadura de Renato Russo, Cazuza e Lobão, se a vida não tivesse lhe escapado tão precocemente.

* Curiosidade: “Perdidos na Selva” é uma parceria de Julio Barroso com... Guilherme Arantes. Entretanto, o festival MPB Shell não permitia que um autor concorresse com duas canções. Sendo assim, Arantes, que na edição de 1981 já defendia “Planeta Água” – que terminou na segunda colocação –, abriu mão da autoria de “Perdidos na Selva”.

Veja os vídeos de “Telefone”...

...“Nosso Louco Amor”...

...e “Perdidos na Selva”.

Invasões e combates: a fundação do Rio de Janeiro

2010-04-29T23:27:00.004-03:00

Artigo originalmente publicado em março de 2010 no TOM NETO.COM.

Conflitos marcaram os primeiros anos da história da cidade

Ontem, o Rio de Janeiro comemorou 445 anos. A cidade foi fundada no dia 01 de março de 1565 por Estácio de Sá – que se tornou o primeiro governador –, com o intuito de expulsar os franceses, que estavam instalados na Baía de Gunabara há uma década.

O objetivo dos invasores era, através do comércio de pau-brasil, criar aqui a chamada França Antártica. Mas foram expulsos em definitivo dois anos depois.

Um mês após a expulsão, mais precisamente no dia 20 de fevereiro de 1567, Estácio de Sá morreu, devido a uma infecção causada por uma flecha envenenada, que o atingira no rosto durante o combate com os franceses.

Mem de Sá, terceiro governador-geral do Brasil – e tio de Estácio –, transferiu, então, o governo do Rio de Janeiro para outro sobrinho: Salvador Correia de Sá.

***

Muitos anos depois, os franceses tentariam invadir novamente o Rio de Janeiro. Primeiro, em 1710, sob o comando do corsário Jean Francois Du Clerc – quando, aliás, foram derrotados. No ano seguinte, contudo, impuseram enorme humilhação à cidade, através do corso do almirante René Duguay-Trouin.

Com 5.400 homens divididos em dezessete navios, a esquadra francesa ocupou e saqueou a cidade, onde permaneceu por dois meses, trazendo pânico aos locais. Após afugentar a população para o interior, Duguay-Troin exigiu o pagamento de um resgate, sob pena de destruir o Rio de Janeiro.

O então governador, Francisco de Castro, acabou pagando com seus próprios recursos parte da quantia exigida, aconselhando o corso a levar todo o ouro e riquezas que conseguisse obter, alegando que a população levara consigo seus pertences de maior valor.

Em 13 de novembro de 1711, as tropas francesas partem do Rio de Janeiro, deixando para trás uma cidade totalmente devastada.

Detalhe: ao contrário dos piratas, os corsários eram autorizados a pilhar navios de outra nação, como uma forma fácil e barata de enfraquecer os inimigos. Além disso, os corsos pagavam cerca de um terço daquilo que saquevam ao tesouro real.

***

E, já que falei em corsários – embora, a rigor, a canção nada tenha a ver com o post –, veja o vídeo de “Corsário”, de João Bosco e Aldir Blanc, na interpretação definitiva de Elis Regina:

Da série ‘Discos para se Ter em Casa’: ‘Mondo Cane’, de Lulu Santos

2010-04-05T18:28:00.004-03:00

Originalmente publicado em fevereiro de 2010 no TOM NETO.COM.

Em 1992, Lulu Santos assinou com a antiga Polygram, atual Universal Music, e gravou aquele que, para muitos, é o seu melhor trabalho. Mondo Cane [no detalhe, a capa] trazia o pop que sempre caracterizou o músico, mas como uma certa... amargura nas letras.

Isso, sem contar as quatro faixas com guitarras pesadas – “Ecos do Passado”, “Fevereiro”, “Máquinas Macias” e a instrumental “Hormônios” –, que entusiasmaram público e crítica na ocasião.

Quando o álbum completou quinze anos de lançamento, escrevi um artigo para o jornal International Magazine, que você pode ler clicando aqui.

Portanto, com todos os méritos, Mondo Cane inaugura a série Discos para se Ter em Casa.

‘Um Vício’, ‘Cicatriz’ e ‘Foi Mal’

2010-04-05T18:27:00.000-03:00

Na introdução curtinha, o ouvinte imagina tratar-se de uma canção para cima. Pista falsa. Desde os primeiros versos, “Um Vício” define o amor de modo cáustico: “O amor devia ser proibido / porque é uma droga pesada”. E prossegue: “E, com a mesma rapidez que você chega aos céus / o inferno passa a ser seu lar. (...) / O que era doce transformou-se em vinagre e ácido. / O que era úmido, da mesma forma. Agora é árido. / E o que antes era vivo já não pulsa mais – tornou-se uma assombração.”

“Cicatriz” é um ska animadinho, cujo clipe tem a participação da Intrépida Trupe. Mas não se iludam com isso. A exemplo de “Um Vício”, a letra novamente fala de amor de uma maneira cáustica: “Eu te afoguei no líquido / desse pântano escuro que eu chamo de amor.” O refrão, contudo, expressa alguma esperança: “Ninguém me garante que eu vou ser feliz / mas ninguém me impede de tentar sê-lo.”

Já “Foi Mal” é um pop típico de Lulu Santos. Mas com versos indisfarçavelmente desencantados. O clipe, claramente inspirado no filme A Hard Day's Night [no detalhe], presta homenagem aos Beatles.

“Um Vício”

“Cicatriz”

“Foi Mal”

‘A Coisa Certa’, ‘Apenas Mais uma de Amor’ e ‘Ecos do Passado’

2010-04-05T18:26:00.002-03:00

“A Coisa Certa” emula o som das chamadas “bandas de franjinha” que surgiram aos montes em Manchester, Inglaterra, na década de 1990 – The Inspiral Carpets, Charlatans U.K. [no detalhe], etc. A letra baseia-se no interessante trocadilho com a palavra presente: “Quero lhe oferecer o meu presente / tomara que você aceite, e fique bem contente...” Observe: cantor refere-se ao tempo verbal...

A tocante moda-de-viola beatle “Apenas Mais uma de Amor” foi o hit solitário do álbum. E uma das mais belas canções da carreira de Lulu Santos. Dispensa apresentações.

Em “Ecos do Passado”, rock lento e pesado cujo riff se repete ad aeternum, o mondo cane começa a aparecer de verdade...

“A Coisa Certa”

“Apenas Mais uma de Amor”

“Ecos do Passado”

‘Fevereiro’, ‘Máquinas Macias’ e ‘Hormônios’

2010-04-05T18:26:00.001-03:00

Lulu Santos caprichou nas guitarras na trinca “Fevereiro”, “Máquinas Macias” e “Hormônios”. Na primeira, descreve a Cidade Maravilhosa como um cenário dantesco: “Ar, é necessário respirar / sair debaixo dessas nuvens de metal / ferro fundido, enxofre e fel. / Ainda que seja fevereiro / em pleno Rio de Janeiro, exposto ao sol / como a carniça de um animal.”

A agressiva “Máquinas Macias” fala de sexo: “Máquinas macias, autolubrificantes / resfolegando a noite produzindo, produzindo.”

A instrumental “Hormônios” fecha o bloco. Destaque para a (ótima) bateria de Christiaan Oyens.

“Fevereiro”

“Máquinas Macias”

“Hormônios”

‘Aquela Vontade de Rir’, ‘Realimentação’ e ‘E Então? (Boa Pergunta)’

2010-04-05T18:25:00.003-03:00

Composta por Zé Renato, ex-Boca Livre, em parceria com o diretor teatral Hamilton Vaz Pereira, “Aquela Vontade de Rir” é um momento de “calmaria” depois da... er, tempestade. Acompanhado apenas por teclados, Lulu Santos canta versos delicados: “Meus plenos poderes / meus grandes momentos / meus sentimentos mais serenos”.

Em “Realimentação”, o cantor aproxima-se, mais uma vez, do samba, em belos dedilhados de guitarra, ao lado da bateria de Marcelo Costa.

A bossa “E Então? (Boa Pergunta)” fecha o álbum de maneira... plácida. Detalhe: nesta faixa, em vez de um previsível violãozinho de nylon, Lulu preferiu tocar guitarra...

“Aquela Vontade de Rir”

“Realimentação”

“E Então? (Boa Pergunta)”

‘Auto-estima’

2010-04-05T18:23:00.001-03:00

“Auto-estima” não integra Mondo Cane. Foi editada, meses depois – também pela Polygram –, em um (malfadado) formato chamado maxi-single. Portanto, pode-se dizer que está no mesmo... hum, contexto do álbum.

Curiosidade: na letra, Lulu Santos menciona o supracitado Hamilton Vaz Pereira, autor de “Aquela Vontade de Rir” – saiba mais aqui.

O único registro de “Auto-estima” que se encontra atualmente em catálogo está na coletânea Perfil, de 2004 [no detalhe].

Lulu Santos: a velha paixão pelo samba

2010-03-06T14:21:00.002-03:00

Singular (EMI-Odeon)

2009

Resenha originalmente publicada no TOM NETO.COM.

Vinte anos após ‘Popsambalanço & Outras Levadas’, cantor flerta novamente com o gênero

Apesar de não exibir, como compositor, a mesma inspiração de priscas eras, Lulu Santos continua, musicalmente, inquieto como sempre. E, com isso, ao contrário de praticamente todos os seus contemporâneos, mantém a sua relevância. E a sua... hum, singularidade – o clichê foi inevitável.

Não por acaso, Singular é o título de seu novo álbum, foi produzido pelo próprio Lulu juntamente com o seu tecladista, Hiroshi Mizutani, e inteiramente bancado pelo autor de “Casa” – apenas distribuído pela EMI. É o seu 22º trabalho, sendo o 19º de estúdio.

Em “Duplo Mortal” e “Na' Boa”, o cantor e compositor carioca transita pelo pop que o fez famoso. A tônica do CD, no entanto, é a amálgama entre o samba e a eletrônica, presente, por exemplo, nas instrumentais “Spydermonkey” e “Restinga”, primeira e última faixa do álbum, respectivamente.

No samba, aliás, Lulu soa bastante convincente, tanto na inédita “Procedimento” – não faria feio em um disco de Paulinho da Viola –, como na ousada releitura de “Zazueira”, de Jorge Ben, gravada para o disco-tributo O Baile de Simonal.

Provavelmente mencionando os vinte anos de Popsambalanço & Outras Levadas – álbum de 1989 no qual o artista flertou com samba e afins –, Lulu relê, com ares de funk carioca, “Perguntas”, aqui rebatizada de “Perguntas (II)”. Em tempos de verba pública escondida em meias e cuecas, a letra, por sinal, continua bem atual: “Diz aí qual é a tradição / país no duro ou refúgio de ladrão?”.

“Fuscio”, composta em homenagem ao seu cachorro, é um típico bolero havaiano, daqueles que Lulu compõe com naturalidade – vide “De Repente, Califórnia”, “Lua de Mel”, “Sereia”, “Tudo” e, claro, “Como uma Onda”.

A primeira música de trabalho é a disco “Baby de Babylon”, uma mistura infalível de “Fogo de Palha” (Calendário, 1999) com “Já É!” (Bugalu, 2003). A faixa integra a trilha sonora da novela Viver a Vida.

Completam o repertório “Black and Gold”, do australiano Sam Sparro e a sofrida “Atropelada”, do baixista, cantor e compositor Jorge Ailton.

No final das contas, Singular deixa melhor impressão do que o seu antecessor, o pouco inspirado Long Play (2007). Mas, decididamente, não supera o último grande CD de estúdio de Lulu Santos, o ótimo Letra e Música (2005).

Da série ‘Música clássica não é chata’: Chopin

2010-03-06T14:18:00.000-03:00

Artigo originalmente publicado no TOM NETO.COM.

Com o passar dos anos, meu interesse por música clássica, pouco a pouco, foi aumentando. Sem que isso significasse, necessariamente, uma diminuição do meu apreço pela canção popular – as duas vertentes não são excludentes.

(E os Beatles estão aí para não me deixar mentir...)

Desse modo, ocorreu-me a ideia de compartilhar esse prazer com todos vocês que frequentam o blog. Evidentemente, há também a intenção de desmitificar a ideia de que a música clássica é uma arte “elitista” e... ahn, chata. Pronto, falei.

Portanto, começamos com esta que é, provavelmente, a minha peça clássica predileta: a magistral “Nocturne Op. 9 No. 2”, de Chopin [no detalhe].

***

Nascido em 1810, o polaco Frédéric Chopin é considerado um dos pianistas mais importantes da história – e um dos maiores compositores para o instrumento. Sua influência permanece até os dias de hoje, e é comparada à de outros gênios da música, como Mozart e Beethoven.

Sempre com a saúde frágil, morreu em Paris, em 1849, aos 39 anos, vítima de tuberculose.

Curiosidade: antes do funeral de Chopin, de acordo com a sua vontade, seu coração foi retirado. O músico temia ser enterrado vivo – leia-se: catalepsia. Sendo assim, o órgão foi posto por sua irmã em uma urna de cristal selada, com conhaque, destinada a Varsóvia, capital da Polônia.

Permanece até hoje, lacrado, dentro de um pilar da Igreja da Santa Cruz, em Krakowskie Przedmieście, debaixo de uma inscrição do Evangelho de Mateus, 6:21: “Onde seu tesouro está, estará também seu coração”.

***

Outra curiosidade: em 1983, o cantor libanês naturalizado italiano Gazebo lançou uma canção em homenagem ao pianista, “I Like Chopin”, que foi sucesso no mundo inteiro.

Veja o vídeo de “Nocturne Op. 9 No. 2”, com o russo Sergei Rachmaninoff:

Sting: quando o inverno chegar...

2010-03-06T14:15:00.005-03:00

If On A Winter's Night... (Deutsche Grammophon / Universal Music)

2009

Resenha originalmente publicada no TOM NETO.COM.

Ex-Police mostra-se introspectivo em ‘If On A Winter's Night...’, seu novo CD solo

Após ter reativado, para surpresa geral, o The Police – naquela que foi a mais turnê lucrativa turnê mundial de 2007/2008 –, Sting ressurge, agora barbudo, e com um novo CD solo. E mantendo, coerentemente, o velho hábito de fazer exatamente aquilo que não se espera dele.

Em If On A Winter's Night..., o músico dedica-se inteiramente ao inverno – sua estação do ano predileta –, em um trabalho em que o formato pop rock simplesmente... inexiste. “O inverno, como temática, é rico em material e inspiração”, declarou recentemente.

O disco chega às prateleiras através do selo clássico Deutsche Grammophon – com edição nacional via Universal Music –, a exemplo de seu antecessor, Songs From The Labyrinth (2006), considerado o mais bem sucedido álbum de alaúde da história.

De modo introspectivo, o baixista mergulha na tradição britânica, em temas como “The Snow It Melts the Soonest” – balada de Newcastle, sua cidade natal, situada no norte da Inglaterra – e “Gabriel's Message”, que data do século XIV. Também há espaço para adaptações de peças clássicas, como “Der Leiermann”, do austríaco Franz Schubert, que tornou-se “The Hurdy-Gurdy Man”.

Apenas dois temas são verdadeiramente autorais: a boa “The Hounds of Winter”, originalmente gravada em Mercury Falling, de 1996, e “Lullaby For An Anxious Child”, lado B do single “You Still Touch Me”, do mesmo ano.

“You Only Cross my Mind in the Winter”, apesar de letrada por Sting, é, na verdade, um tema do compositor alemão Johann Sebastian Bach. De modo inverso, o compositor de “Roxanne” musicou, em parceria com a harpista escocesa Mary Macmaster, “Christmas At Sea”, poema de Robert Louis Stevenson, autor de O Médico e o Monstro e A Ilha do Tesouro.

If On A Winter's Night... poderá agradar àqueles que aprenderam a apreciar o lado... hum, erudito do ex-Police. Entretanto, os que preferem o Sting pop de “If I Ever Lose My Faith In You” deverão manter distância desse CD – ainda que o mesmo “cresça” a cada audição. Com este álbum, o músico parece querer afirmar que, artisticamente, não se considera “refém” de nada: nem de seu antigo trio, nem de seus sucessos solo. E nem de qualquer coisa que “limite” a sua música.

P.S.: Vale lembrar que, apesar de ter se mantido na ativa durante todo esse tempo, Sting editou o seu último álbum de canções inéditas, Sacred Love, em 2003...

O sagrado (e multifacetado) amor de Sting

2010-03-06T14:10:00.003-03:00

“...Sting editou o seu último álbum de canções inéditas, Sacred Love, em 2003...”

(“Sting: quando o inverno chegar...”)

CD
Sacred Love (Universal)
2006

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

O mais recente álbum de inéditas de Sting, Sacred Love, de 2003 (!), causa algum estranhamento nas primeiras audições, devido à eletrônica utilizada em faixas como “Forget About The Future” e, principalmente, “Never Coming Home”.

Mas o ouvinte mais atento logo percebe que, em meio aos sequenciadores, há elementos nada usuais nas pistas de dança como o violão flamenco – cortesia do espanhol Vicente Amigo em “Send Your Love” –, bongôs marroquinos e improvisos de jazz.

O que faz concluir que Sting, obviamente, jamais se permitiria cair na... obviedade.

Nas letras, o bom nível de sempre, desde a tensa e claustrofóbica “Inside” (“Aqui dentro, está mais frio do que nas estrelas / Aqui dentro, os cães estão uivando”), que abre os trabalhos, passando pela raivosa “This War”, até a otimista faixa-título, que fecha o CD.

A delicada “Dead Man's Rope” menciona “dor”, “vazio”, “raiva” e “angústia” e, depois, a “doce chuva do perdão”, através do “amor de Jesus”. E cita “Walking In Your Footsteps”, de Synchronicity, último trabalho do Police. Já os engenhosos versos de “Stolen Car (Take Me Dancing)” contam a estória do sujeito que rouba o carro de um ricaço, e enquanto dirige, começa a se imaginar na vida do dono do veículo.

“The Book Of My Life”, belíssima, usa a metáfora de um livro – no caso, Fora do Tom, a ótima autobiografia do cantor – para refletir sobre a vida: “Porque o fim é um mistério, que ninguém consegue ler / no livro de minha vida.” E traz a boa participação da citarista Anouskha Shankar – sim, filha de Ravi Shankar, o homem que, indiretamente, introduziu os sons indianos na música dos Beatles.

O ponto alto do disco, entretanto, é o soul “Whenever I Say Your Name”, dueto com Mary J. Blige.

Sacred Love, de um modo geral, é um bom álbum. Mas já se passaram seis anos desde o seu lançamento. De onde se conclui que passou da hora de Sting providenciar o seu sucessor...

P.S.: Devido à fria recepção à eletrônica de Sacred Love, o ex-Police regravou, ao vivo, todas as faixas do álbum no DVD Inside The Songs Of Sacred Love – mas excluindo dos arranjos os sequenciadores, e dando mais ênfase ao jazz. E, cá para nós, as canções soaram bem melhores assim...

Veja o vídeo de “Whenever I Say Your Name”, com Sting e Mary J. Blige:

Sting e o ‘outono’

2010-03-06T14:06:00.002-03:00

“...a boa ‘The Hounds of Winter’, originalmente gravada em Mercury Falling, de 1996...”

(“Sting: quando o inverno chegar...”)

CD
Mercury Falling (Universal)
2006

Artigo originalmente publicado no TOM NETO.COM.

Mercury Falling [no detalhe] foi o álbum que Sting editou em 1996 – cuja faixa inicial era “The Hounds of Winter”, em versão superior à regravada pelo músico em seu recém-lançado trabalho, If On a Winter's Night....

Gravado em um período de suposta “crise de meia-idade” do ex-Police, o CD mostra desencanto já na foto da capa, que flagra o músico com um semblante de quem está atolado em dívidas...

Em entrevista da época, Sting declarou: “Tenho que aceitar a ideia de que estou ficando velho. E que vou morrer.” O próprio título do disco menciona, ainda que de forma metafórica, o “crepúsculo”: o mercúrio (do termômetro) descendo. A temperatura caindo. O outono. O ocaso.

Entretanto, as canções do álbum, curiosamente, não transparecem essa melancolia. Pelo contrário: há temas bastante “otimistas”, como o pseudo-gospel “Let Your Soul Be Your Pilot” – que foi o primeiro single de trabalho – e a pop “You Still Touch Me”.

Apesar de apresentas faixas menos inspiradas – como “Twenty-Five To Midnight” e o reggae placebo “All Four Seasons” –, o CD está repleto de bons momentos. Exemplos: a celta “Valparaiso” e a curiosa bossa nova em francês “La Belle Dames San Regrets”, cuja introdução é algo... hum, “sambista”, com direito à cuíca (!).

No quesito letra, Sting continuou à margem do superficial. A narrativa de “I Hung My Head”, presumivelmente ambientada no século XVIII, fala sobre um indivíduo que, disparando seu rifle a esmo contra uma colina, atinge acidentalmente – e fere de morte – um cavaleiro. Julgado, acaba condenado à guilhotina. Foi gravada de modo pungente pelo lendário Johnny Cash no CD American IV: The Man Comes Around, de 2002.

Já o country “I'm So Happy I Can't Stop Crying” fala sobre um homem cuja esposa o abandonou (“Ela aparece para perguntar como estou. Diz: ‘Você está bem? Estou preocupada com você. Você me perdoa? Quero que seja feliz’.”). E que, passada a tristeza inicial, aceita a separação (“Algo me fez sorrir / algo parece aliviar a dor / algo sobre o Universo / e como está tudo conectado”). Em 1997, recebeu uma versão do americano Toby Keith, com participação do próprio Sting.

Contudo, o ponto alto do disco, é a abrasileirada “I Was Brought To My Senses”, dona de versos “existencialistas” (“Pela primeira vez, vi a obra Divina / na linha onde as colinas se encontram com o céu”) e belas imagens (“Seríamos como a lua e sol /e, quando a nossa delicada dança no céu houvesse terminado seu curso, / então repousaríamos juntos”).

Mercury Falling termina com uma mensagem de esperança na rural “Lithium Sunset”* (“Tenho estado amedrontado / tenho estado despedaçado / (...) mas ficarei melhor”). O verso final, todavia, não deixa de constatar: “Vejo o mercúrio descendo...”

* “Lithium Sunset” – “Crepúsculo de Lítio”. O lítio é o mais conhecido “estabilizador de humor”, amplamente utilizado na prevenção de crises depressivas e bipolares.

Veja o vídeo de “I Was Brought To My Senses”:

E também “The Hounds Of Winter”, com participação do violoncelista brasileiro Jacques Morelenbaum:

Da série ‘Parcerias’: Roberto & Erasmo nos últimos dez anos

2009-11-24T09:01:00.002-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

O luto guardado por Roberto Carlos pela morte de sua esposa, Maria Rita, fez com que a sua parceria com Erasmo Carlos sofresse uma vertiginosa queda de produção na última década. Nos únicos três álbuns de estúdio que o Rei lançou em dez anos – os demais foram discos ao vivo ou projetos especiais, como Duetos (2006) –, há apenas cinco (!) parcerias inéditas com seu amigo de fé, irmão camarada.

O motivo: abalado, RC preferiu compor solitariamente durante esse período.

Na compilação 30 Grandes Sucessos, lançada em dezembro de 1999 – quando o estado de saúde de Maria Rita se agravou, e Roberto não teve condições de gravar um novo trabalho –, a única música nova era “Todas as Nossas Senhoras”, composta com Erasmo.

No CD Amor sem Limite, de 2000, o primeiro após o desaparecimento de Maria Rita, a única parceria inédita da dupla foi a bela “Tu És a Verdade, Jesus”. As outras duas canções que levavam a assinatura dos parceiros - “Mulher Pequena” e “Quando Digo que te Amo” - foram originalmente lançadas em 1993 e 1996, respectivamente.

Pra Sempre, que chegou às prateleiras em 2003, trazia somente duas faixas novas escritas por Roberto e Erasmo: a questionadora “Seres Humanos” e o bem-humorado blues “O Cadillac”.

No disco epônimo de 2005, a única inédita de RC com o Tremendão foi “Arrasta uma Cadeira”, gravada na companhia de Chitãozinho & Xororó. As demais – “Promessa” e “A Volta” – eram, na verdade, canções antigas que jamais tiveram registro na voz do Rei até então, além de “O Baile da Fazenda”, originalmente lançada em 1998.

Já nos discos de carreira que Erasmo Carlos editou desde 1999 – Pra Falar de Amor (2001), Santa Música (2004) e Rock ‘N’Roll (2009) – não há nenhuma parceria inédita da dupla. Pra Falar de Amor trazia a assinatura da dupla na boa “Qualquer Jeito”, versão de “It Should Have Been Easy”. Mas a faixa foi presenteada em 1987 à cantora Kátia, “afilhada” artística de Roberto e Erasmo. E obteve razoável execução radiofônica na ocasião.

Entretanto, os autores de “É Preciso Saber Viver” já confirmaram que existem quatro novas canções da dupla para o próximo CD de estúdio de Roberto, cujo lançamento está previsto para 2010.

Chico Buarque: polivalente

2009-10-19T19:12:00.005-03:00

Livro

Leite Derramado (Companhia das letras)

2009

Resenha publicada originalmente no TOM NETO.COM.

A genialidade do compositor também se faz notar em ‘Leite Derramado’, seu quarto romance

Nos últimos anos, Chico Buarque tem trabalhado da seguinte forma: o cantor e compositor edita um disco de inéditas, sai em turnê, grava CD/DVD ao vivo... e recolhe-se para a produção de mais um livro. Chico, de fato, sumiu dos holofotes após o lançamento de Carioca Ao Vivo, de 2007 – registro do show que promoveu Carioca, seu último álbum de estúdio, que chegou às prateleiras em 2006. E, nesse intervalo, escreveu Leite Derramado, publicado pela editora Companhia das Letras.

Em seu quarto romance, Chico consegue superar sua empreitada anterior no campo literário, o ótimo Budapeste, de 2003. Leite Derramado baseia-se nas memórias de Eulálio d'Assumpção, ancião que convalesce em um leito de hospital, recordando o passado de glória de sua família, até a sua decadência atual.

E, através do monólogo do personagem central da obra, Chico revê boa parte da história do país. As lembranças um tanto desconexas do centenário Eulálio mencionam – embora sem ordem cronológica – a chegada da Coroa Portuguesa, a Abolição da Escravatura, o Golpe de 1964 e outros momentos cruciais do Brasil, não esquecendo, em momento algum, de sua esposa Matilde, figura onipresente na narrativa.

Outro tema recorrente no livro é o racismo, visto que a supracitada Matilde era mulata – e, por esse motivo, encontrou resistência da parte da mãe de Eulálio. Com isso, Chico acaba entrando na questão da miscigenação étnica brasileira: o tataraneto do centenário protagonista – o “garotão” traficante, cuja namorada ostenta um piercing (que ele chama de “brinco na barriga”) – é negro.

O interesse do leitor é mantido, da primeira à última página, pela prosa fluente do autor – e pelo humor desconcertante que percorre todo o livro. Resumo: a genialidade do compositor Chico Buarque já impregnou a sua literatura. Sem dúvida alguma.

Damien Rice: novo CD a caminho

2009-10-19T19:11:00.006-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

Não faz muito tempo, descobri – tardiamente, reconheço – a introspectiva música de Damien Rice [foto].

Para quem não está ligando o nome à pessoa, o trovador irlandês tornou-se mundialmente conhecido por “The Blower's Daughter”, canção-tema do filme Closer – Perto Demais, de 2004, que recebeu duas versões brasileiras: “Então Me Diz”, de Zélia Duncan – gravada por Simone –, e a bem-sucedida “É Isso Aí”, de Ana Carolina e Seu Jorge.

O mais recente álbum de Rice chama-se 9, seu segundo CD, que foi editado em 2006. Mas seu melhor trabalho é o de estreia, o belíssimo O [no detalhe], de 2003. Além da supracitada “The Blower's Daughter”, O possui outros grandes momentos, como “Volcano”, “Amie” e a ótimas “Delicate” e “Cannonball”.

Além dos dois discos de estúdio, Rice também gravou o ao vivo Live from the Union Chappel, de 2007. E, completando sua discografia, há o EP B-Sides, que trata-se, como o nome já diz, de uma coletânea de lados B de seus singles.

Pesqisando pela web, é possível encontrar covers como “Purple Haze” (Jimi Hendrix), “When Doves Cry” (Prince), “Seven Nation Army” (The White Stripes) e, pasmem, “Águas de Março” e “Desafinado” – ambas cantadas em português (!) –, entre outras, que o músico gravou para projetos especiais.

No MySpace de Damien Rice, há a informação de que ele está em estúdio, aprontando o sucessor de 9. É esperar para ver.

Veja o vídeo de “Cannonball”...

...de “Delicate”...

...e também de “The Blower's Daughter”, claro:

Caetano Veloso: tem mais samba... ‘indie’

2009-08-21T14:38:00.005-03:00

Zii e Zie (Universal Music)

2009

Compositor baiano tenta ‘atualizar’ o gênero em ‘Zii e Zie’, disco repleto de referências ao Rio

Quase três anos após o seu último disco de estúdio, o controverso Cê, Caetano Veloso está de volta com Zii e Zie (Universal). Nesse intervalo, o artista baiano editou Multishow: Cê ao Vivo (2007) e Roberto Carlos e Caetano Veloso e a Música de Tom Jobim (2008), ambos disponíveis em CD e DVD.

Com o subtítulo de Transambas Transrock, o álbum foi gravado a partir do show Obra em Progresso, que gerou também um blog homônimo. Em obraemprogresso.com.br eram disponibilizados vídeos das músicas inéditas executadas no palco, e Caetano – que participava ativamente do site – “trocava ideias” com os internautas acerca das canções e outros assuntos.

Zii e Zie, a exemplo do trabalho anterior, foi gravado na companhia da ótima bandaCê, formada por Ricardo Dias Gomes (baixo), Marcelo Calado (bateria) e Pedro Sá (guitarra). Desse modo, as comparações com o seu antecessor são inevitáveis. A sonoridade permanece indie, “econômica”, o que assegura bons arranjos em rigorosamente todas as faixas. Pode-se dizer, portanto, que Zii e Zie e Cê, são discos “irmãos”.

Contudo, se nem os irmãos são iguais... as diferenças entre as dois CDs são muitas.

Recentemente, o autor de “Oração ao Tempo” chegou a classificar Cê como um “disco de heterônimo”. Já o novo trabalho já soa, efetivamente, como um álbum-de-Caetano-Veloso. Mas não o Caê “solene” e “camerístico” de Fina Estampa, com cordas arranjadas por Jacques Morelenbaum. E, sim, o Caetano-com-a-bandaCê.

O que faz uma grande diferença.

Semelhanças e dessemelhanças com ‘Cê’

A insuspeitada “pegada” roqueira do CD de 2006 aparece de maneira menos intensa em Zii e Zie, onde há maior diversidade rítmica. Exemplo disso é a eficiente “A Cor Amarela”, com ecos de samba de roda – na medida em que a bandaCê consegue soar como tal. A letra é bobinha (“Uma menina preta de biquíni amarelo / na frente da onda. / Que onda, que onda, que onda que dá, / que bunda, que bunda.”), mas... quem se importa?

Outra dessemelhança: os versos íntimos, sexuais e, eventualmente, raivosos de Cê dão lugar ao Caetano que sempre tem opinião sobre tudo e sobre todos, e cita personagens tão díspares quanto Lula, Fernando Henrique Cardoso, Guinga, Francisco Alves, Los Hermanos, Kassin e Seu Jorge. No entanto, uma certa melancolia permanece nas letras.

A expressão que dá título ao álbum significa, em italiano, “tios e tias”. O compositor explica que “no Rio, somos todos chamados assim ‘pelos malabaristas de sinais de trânsito’”. O Rio de Janeiro, aliás, é a principal temática do CD, repleto de polaroides da cidade, como a crua “Perdeu”, espécie de “releitura contemporânea” de “Meu Guri”, de Chico Buarque, que conta a estória – história? – de um garoto do morro que se tornou chefe do narcotráfico.

A Cidade Maravilhosa (bem, já não tão “maravilhosa” assim...) também é retratada na boa “Lapa”, ode ao famoso bairro boêmio, e “Falso Leblon”, na qual o artista baiano fala sobre uma menina doidaça que convida para “dar uma e dar dois”.

Zii e Zie está repleto de bons momentos, como “Por Quem”, linda melodia um tanto prejudicada pelo registro vocal em falsete do cantor. “Diferentemente” é outra bela melodia que tem um quê de... chorinho – ou seria “transchorinho”? Tocada em público pela primeira vez no show A Foreign Sound, de 2004, a inteligente letra cita Madonna, Condoleeza Rice e... Osama Bin Laden.

Na linha discursiva de “Haiti”, há “Base de Guantánamo”, rap placebo acerca da famigerada prisão americana situada na ilha de Fidel Castro, sob um ritmo que lembra um “ponto” de candomblé: “O fato de os americanos desrespeitarem os direitos humanos em solo cubano / é por demais forte, simbolicamente / para eu não me abalar”.

‘Transamba’ funciona nas duas canções não-autorais

Entretanto, a melhor faixa do disco é a curtinha (apenas dois minutos e meio) bossa – ok: “transbossa” – “Sem Cais”. A letra fala da possibilidade de amar, a despeito de qualquer contingência etária (“‘Inda’ posso me apaixonar”), e possui um bom trabalho de guitarra, cortesia de Pedro Sá, coautor da música.

Mas é justamente nas duas canções não-autorais do CD que o “transamba” encontra a sua mais completa tradução. “Incompatibilidade de Gênios”, primoroso samba de João Bosco e Aldir Blanc tem preservada a malandragem (no melhor sentido) típica do gênero, mas foi executada com o tal “timbre elétrico forte” buscado por Caetano – tem até solo de guitarra (!). O mesmo vale para a singela “Ingenuidade”, de Serafim Adriano. Curiosidade: as duas faixas integram o disco que Clementina de Jesus lançou em 1976.

Infelizmente, as desnecessárias provocações, a exemplo de “Homem” e da lusa “Porquê?” – ambas do álbum anterior – também se fazem presentes em Zii e Zie. É o caso da constrangedora “Tarado ni Você”, que cita “Nosso Estranho Amor” (“Deixa eu gostar de você.”). E também de “Lobão Tem Razão”, fraca, apesar do verso lapidar (“‘Chega de verdade’, é o que a mulher diz”). A canção é uma resposta a “Para o Mano Caetano”, que o Grande Lobo editou em Uma Odisseia no Universo Paralelo, gravado ao vivo em 2001.

Portugal, aliás, é novamente mencionado nesse álbum, na animadinha “Menina da Ria”, que fala maliciosamente sobre um... er, “púbis glabro”.

De qualquer forma, Caetano Veloso, em sua aventura indie, continua mestre em fazer justamente aquilo que não se espera dele. Entre (pouquíssimos) erros e (muitos) acertos, ele, mais uma vez, surpreende. E, francamente, dá gosto ver tamanha inquietação vinda de um artista prestes a completar 67 anos de idade.

Noel Gallagher: sonhos não envelhecem

2009-08-21T14:29:00.005-03:00

The Dreams We Have As Children (Big Brother)

2009

Apresentação beneficente gera o primeiro álbum solo do líder do Oasis

A exemplo de seu irmão, Liam, Noel Gallagher sempre posou de bad boy, seguindo a cartilha de marketing que os Rolling Stones utilizavam nos anos 60. Mas, na realidade, talvez não seja bem assim...

Prova disso é que Noel realizou, em março de 2007, um show solo no Royal Albert Hall, em Londres, em prol do Teenage Cancer Trust. E essa apresentação recebe agora registro em CD, intitulado The Dreams We Have As Children. É o seu primeiro trabalho longe do Oasis – e muito bom, diga-se de passagem.

Inicialmente encartado no jornal britânico The Times, o álbum apresenta, em suas 11 faixas, (boas) canções menos conhecidas de seu grupo, como “Listen Up”, “Married with Chidren” e “Sad Song”, além de sucessos como “Wonderwall” e “Slide Away” – esta, aliás, em uma ótima versão. Noel também arrisca um cover de seus conterrâneos de Manchester, The Smiths (“There Is a Light that Never Goes Out”).

Em “The Butterfly Collector”, do The Jam, o líder do Oasis tem a companhia de ninguém menos que Paul Weller, o autor da canção. Juntos, Gallagher e Weller também cantam “All You Need Is Love”, dos... er, você sabe quem.

A delicadeza dos arranjos majoritariamente acústicos – com direito a cordas e tudo – escancara o grande artífice que Noel é. Nas belíssimas “Don't Go Away” e “Half the World Away”, o líder do Oasis brilha. E, por não fazer feio diante do microfone, fica no ar a dúvida: por que ele tem aturado o mala do Liam durante todos esses anos, se ele pode muito bem fazer tudo sozinho?

O título do álbum saiu do refrão de “Fade Away”, lançada, a princípio, como lado B de “Cigarettes & Alcohol” – e posteriormente incluída na ótima compilação The Masterplan –, que abre o CD.

Recentemente, Noel declarou que, no final da turnê mundial Dig Out Your Soul, do Oasis, se dedicará a gravar um álbum solo, para valer mesmo, com canções inéditas gravadas em estúdio. E o mais provável é que saia coisa boa daí.

Em tempo: o músico disponibilizou no iTunes as cinco faixas que completam a íntegra do espetáculo. São elas: “It's Good to Be Free”, “Talk Tonight”, “Cast No Shadow”, “The Importance of Being Idle” e “Don't Look Back in Anger”, todas em versões impecáveis.

Coldplay: 0800

2009-08-21T14:18:00.004-03:00

Left Right Left Right Left (download gratuito)
2009

Em grande fase, banda disponibiliza CD ao vivo gratuitamente na web

A vitoriosa turnê Viva la Vida – do igualmente bem-sucedido álbum homônimo –, acaba de gerar um disco ao vivo. Left Right Left Right Left foi disponibilizado pelo Coldplay para download gratuito no endereço http://lrlrl.coldplay.com/leftright.html. É o Radiohead fazendo escola – e a banda de Chris Martin jamais escondeu sua admiração por Thom Yorke e companhia.

Em suas nove faixas, gravadas em várias partes do mundo, Left Right Left Right Left reúne quatro músicas de Viva la Vida (“Strawberry Swing”, “42”, “Death and All His Friends” e a faixa-título) e sucessos anteriores como “Fix You” e “Clocks” em versões corretas – os arranjos “respeitam” demais as gravações originais.

A única exceção é “The Hardest Part”, apresentada em um singelo arranjo de voz e piano, em medley com a vinheta instrumental “Postcards from Far Away”. Completam o repertório “Death Will Never Conquer” – cantada pelo baixista Will Champion –, single lançado logo após Viva la Vida, e “Glass of Water”, do EP Prospekt's March.

E, por falar em EP: a bem da verdade, Left Right Left Right Left pode ser considerado justamente isso, um EP “melhorado”. Para ser um disco ao vivo “de verdade”, seriam necessárias mais faixas, com hits como “The Scientist”, “Trouble” e, principalmente “Yellow”, além de boas faixas recentes como “Lost!”, “Violet Hill” e “Lovers in Japan”.

De qualquer forma, vale a pena ouvir, no decorrer do álbum, todo o entusiasmo do público com a banda inglesa. Em “Viva la Vida” – uma canção estupenda, que mereceu todo o sucesso que fez –, a plateia, em êxtase, continua cantando “ô ôô ôô”, mesmo depois de a música já ter acabado (!). Não por acaso, já eram contabilizados, até o fechamento desta edição, mais de 3,5 milhões de downloads (!).

O Coldplay declarou que, exceto em festivais, todas as pessoas que comparecerem a apresentações do grupo receberão uma cópia física de Left Right Left Right Left na saída do show. Esse gesto é um “agradecimento” da banda “às pessoas que compraram o nosso CD, mesmo em um período de crise mundial”.

Muito bem.

Roberto Carlos: meio século de reinado

2009-08-20T16:32:00.003-03:00

Show

Itaú Brasil: Roberto Carlos – 50 anos

Data: 11 de julho de 2008

Local: Estádio do Maracanã - Rio de Janeiro

Resenha publicada originalmente no TOM NETO.COM.

Para comemorar seus 50 anos de carreira, o Rei realiza um show histórico no Estádio do Maracanã

Cerca de 68 mil pessoas, de todas as faixas etárias, suportaram o vento frio que insistia em soprar no Estádio do Maracanã, na noite de sábado, 11 de junho. Mas por um bom motivo: tratava-se do show de comemoração aos 50 anos de carreira de Roberto Carlos, cujas canções fazem parte da vida de milhões de brasileiros.

Às 21h45, o Rei entrou ao palco de maneira triunfal, dirigindo o seu Calhambeque azul, modelo 1929, devidamente reformado. Após saudar a sua orquestra e a plateia extasiada, afirmou: “É a maior emoção que já senti em minha vida estar aqui no Maracanã cantando para vocês. Quando estava lá em Cachoeiro [nota: do Itapemirim, sua cidade natal] jamais imaginei que podia viver um momento como esse”. E iniciou os trabalhos com o seu cartão-de-visitas, “Emoções”.

O repertório foi basicamente o mesmo dos shows que o cantor tem apresentado ao longo dos anos, com as músicas que seu público sempre espera ouvir, como “Outra Vez”, “Proposta”, “Café da Manhã” e, no já tradicional esquema banquinho-e-violão, “Detalhes”, entre outras.

Contudo, dada a importância da ocasião, RC incluiu canções que não costumam fazer parte de seu set list, como “Do Fundo do meu Coração”, de 1986. Repleta da “tensão” encontrada em momentos anteriores da obra do Rei – como “Sua Estupidez”, por exemplo –, a faixa é uma das melhores da segunda metade de sua carreira.

Em homenagem a seus pais, o cantor reuniu em um tocante medley que reuniu a bela “Aquela Casa Simples” a “Meu Querido, Meu Velho, Meu Amigo” e “Lady Laura”. E até “Nossa Senhora”, há muito afastada do repertório do artista, foi relembrada, em um dos pontos altos do show.

No bloco dedicado à Jovem Guarda, Roberto, surpreendentemente, resgatou “Quando” – uma das melhores canções daquele período – e “Namoradinha de um Amigo Meu”, juntamente com “É Proibido Fumar”, “E por Isso Estou Aqui” e “Jovens Tardes de Domingo”.

Com Erasmo, o momento mais emocionante da noite

Em “Caminhoneiro” – outra que o Rei não cantava há tempos –, a chuva desabou sobre o Maracanã, o que fez com que RC paralisasse o show por cerca de dez minutos.

Já a escolha dos dois convidados foi bastante coerente: Erasmo Carlos e Wanderléa. Erasmo, por sinal, protagonizou o momento mais emocionante da noite. Após dirigir algumas palavras a Roberto através do telão, o Tremendão foi chamado ao palco. Os parceiros choraram abraçados e cantaram “Amigo” com muita dificuldade. Na sequência, já refeitos, relembraram momentos engraçados e emendaram com “Sentado à Beira do Caminho”.

Com a Ternurinha, também bastante emocionada, Roberto, como não poderia deixar de ser, cantou “Ternura”. Por fim, Erasmo juntou-se à dupla em “Eu Sou Terrível”.

Outro momento de grande emoção foi “Como É Grande O Meu Amor por Você”, cantada por um Maracanã em uníssono. Destaque também para o arranjo grandiloquente, de matizes épicos, de “Cavalgada”.

No gran finale, o estádio foi encoberto pela fumaça dos fogos de artifício, enquanto o Rei lançava rosas para sua fiel público, ao som de “Jesus Cristo”, coroando um dos melhores show de sua carreira. Um momento único, digno de um artista verdadeiramente singular.

Veja o medley que reuniu “Aquela Casa Simples”, “Meu Querido, Meu Velho, Meu Amigo” e “Lady Laura”:

E também “Amigo”, com participação de Erasmo Carlos:

‘Beat It’: o encontro de Eddie Van Halen e Michael Jackson

2009-08-20T16:28:00.002-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

Logo após a notícia do falecimento de Michael Jackson, o guitarrista Eddie Van Halen [no detalhe, os dois ídolos juntos no palco] falou ao site TMZ sobre o astro do pop, com quem trabalhou no ínicio dos anos 80.

– Estou realmente chocado ao saber dessa notícia – assim como estou certo de que o mundo inteiro está. Tive o prazer de trabalhar com Michael em “Beat It”, em 1982, e essa é uma das melhores recordações de minha carreira. Michael fará falta. Que ele descanse em paz.

O líder do Van Halen contou histórias dos bastidores dessa gravação ao site Brave Words:

– Eu tinha este velho sistema de telefone no estúdio. O telefone tocou, atendi e tinha aquela voz dizendo: ‘Yo, Eddie? É o Eddie?’. Havia muito chiado, coisas desse tipo. Respondi: ‘Sim, quem é?’. Mas, obviamente, a pessoa não conseguia me ouvir. Então, desliguei, pensando que era um fã. O telefone tocou novamente, e a mesma voz disse: ‘Ei, Eddie!’. Então, dessa vez gritei ‘Imbecil!’, e desliguei. O telefone tocou pela terceira vez. ‘Ei, Eddie, aqui é Quincy Jones’. Nunca me senti tão envergonhado.

O exímio guitarrista prosseguiu:

– Naquela época, certas pessoas na banda não gostavam que eu fizesse coisas fora do grupo. Mas Roth [David Lee Roth, vocalista do Van Halen] estava na Amazônia ou em algum outro lugar; Mike [Michael Anthony, baixista] estava na Disneylândia; Al [Alex Van Halen, baterista e irmão de Eddie] estava no Canadá, ou algo do tipo; e eu estava em casa, sozinho. Então, pensei: ‘Bem, eles nunca saberão. Sério: quem vai saber que eu toquei no disco de um cara negro?’ Michael me disse: ‘Amo essa música alta e rápida que você faz’.

E concluiu:

– Toquei dois solos e disse: ‘Caras, peguem o que vocês quiserem’. Foram apenas vinte minutos do meu dia, fiz isso de graça e depois todos ficavam me dizendo: ‘Você deveria ter algum royalty naquela música’. Mas isso não importa, pois Quincy Jones escreveu para mim uma carta de agradecimento, e assinou ‘O Imbecil’. Eu a emoldurei. Clássico.

Detalhe: “Beat It” chegou às paradas no dia 12 de março de 1983, permanecendo por 15 semanas e alcançando o 1º lugar nos EUA, Países Baixos e Espanha; 2º lugar na Suíça; e 3º lugar no Reino Unido.

***

Ah, sim: somente o inconfundível solo de “Beat It” foi gravado por Eddie Van Halen. As demais guitarras foram executadas por Steve Lukather, mais conhecido por seu trabalho com o grupo Toto.

Veja o clipe de “Beat It”:

Veja também o vídeo que apresenta somente os canais de aúdio das guitarras de Steve Lukather e Eddie Van Halen. Uma verdadeira aula:

E confira o vídeo que destaca o inconfundível solo de Eddie:

Paul McCartney e Michael Jackson: relações cortadas

2009-08-05T17:54:00.002-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

O Rei do Pop e o ex-Beatle não se falavam há quase vinte e cinco anos. Saiba por quê

Paul McCartney não deixou de se manifestar publicamente por ocasião da morte de Michael Jackson:

– Minhas memórias são de seu grande senso de humor e como nós brincávamos e dávamos risadas juntos. Minha família manda as mais sinceras condolências e, assim como eles, sabemos que o talento de Michael nunca será esquecido.

O que nem todos sabem é que o Macca e MJ não se falavam há vinte e quatro anos.

Após algumas colaborações, os dois artistas ficaram amigos – a despeito da diferença etária entre ambos. E, em um determinado momento, McCartney aconselhou Michael a investir nos direitos autorais de canções famosas [nota do blog: falei sobre isso aqui]. Jackson saiu-se com essa:

– Vou comprar as suas músicas.

A princípio, Paul pensou que se tratava de uma brincadeira de Michael, como relatou em entrevista concedida ao jornalista e apresentador britânico David Frost em 1997.

– Não levei a sério o que ele havia dito. Tempos depois, quando soube que ele realmente havia feito isso, fiquei perplexo. Tentei falar com ele – até mesmo para fazer uma contra-proposta. Mas ele havia trocado todos os telefones...

McCartney franziu a testa. E completou:

– Posso dizer que passei a não gostar muito dele depois disso.

‘Sempre que quero tocar ‘Hey Jude’, preciso pagar’

Em 1985, Michael Jackson adquiriu a Northern Songs – editora que detém todo o catálogo dos Beatles – por US$ 47,5 milhões. Paul ficou furioso. E jamais escondeu isso:

– A coisa mais chata é ter de pagar para tocar algumas de minhas próprias músicas. Cada vez que quero tocar ‘Hey Jude’, preciso pagar.

Em janeiro desse ano, o tabloide inglês The Mirror noticiou que MJ gostaria de se reaproximar de McCartney. Para isso, pretendia deixar para Paul, em testamento, os direitos autorais sobre o catálogo dos Fab Four. De acordo com o jornal, pessoas próximas a Jackson afirmaram que ele sempre lamentou sua briga com o ex-Beatle.

Entretanto, o testamento de Jackson – redigido em 2002 – foi divulgado uma semana após a sua morte. Paul não foi citado no documento. E, em nota publicada em seu site oficial, parecia conformado com isso:

– Meses atrás, a mídia veio com a ideia de que Michael Jackson iria deixar, em testamento, a sua parte das canções dos Beatles para mim – o que foi uma invenção completa, na qual não acreditei nem por um segundo.

Em 1995, Jackson vendeu de 50% do catálogo para a Sony. Há cerca de dois anos, a imprensa afirmou que o cantor – que lucrava, por ano, cerca de 40 milhões de euros (cerca de R$ 129,5 milhões) com os direitos pelas músicas – provavelmente venderia a metade restante à gravadora, por conta de suas dívidas milionárias com fundos de empréstimos.

Há três anos, a parte de Jackson estava avaliada em torno de US$ 1 bilhão (R$ 6,3 bilhões). Mesmo encalacrado em dívidas, o cantor conseguiu manter o catálogo – assim como o rancho Neverland, que quase foi a leilão no início deste ano.

Morre Michael Jackson

2009-08-05T17:41:00.004-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

Qual o legado deixado pelo artista que revolucionou os videoclipes e gravou o disco mais vendido da história?

Aos dez anos de idade, eu era um menino absolutamente fissurado por Thriller (1982), de Michael Jackson [no detalhe]. Um álbum estupendo. Não por acaso, tornou-se o mais vendido de toda a história: 104 milhões de cópias. Ganhei o vinil de presente de alguém – não me recordo quem -, e, através dos videoclipes, aprendi, em pouco tempo, a incrível coreografia do artista. Inclusive o famoso moonwalker.

(Alguns familiares lembram até hoje do menino branquelo que reproduzia à perfeição os passos de dança de Jackson. Sorte minha que ninguém filmou isso na ocasião. Acho que ficaria bastante constrangido hoje em dia...)

Os videoclipes de Jackson, aliás, eram um capítulo à parte. Assim como os Beatles alçaram a música pop ao status de arte, na década de 1960, MJ fez o mesmo em relação aos clipes, nos anos 80 e 90. A linguagem nunca mais foi a mesma de depois do fantasmagórico “Thriller” e do surpreendente “Black or White”.

O superproduzido vídeo de “Thriller” deixou o planeta, diga-se de passagem, simplesmente boquiaberto. Com seus quase quatorze minutos de duração, não é errado dizer que trata-se de um curta-metragem. Já “Black or White” ficou marcado pelo efeito especial de “metamorfose” de seus personagens

Entretanto, o disco que sucedeu Thriller, o bom Bad (1987), não despertou em mim, nem de longe, o interesse de antecessor. Não deixava, porém, de ser um bom disco, com faixas como “The Way You Make Me Feel”, “Man In The Mirror” e a belíssima “I Just Can't Stop Lovin' You”.

Jackson ainda obteve boa repercussão do trabalho posterior a Bad, Dangerous (1991), com hits como a supracitada “Black or White”, “Heal The World”, “Remember The Time” e “Will You Be There”. Mas seu último CD de inéditas, ironicamente batizado de Invencible (2001), passou em brancas nuvens.

Polêmicas passaram a ocupar o lugar da música

Todas essas lembranças vieram à tona no exato momento em que soube do precoce – e, por isso mesmo, inesperado – desaparecimento do cantor americano, de 50 anos de idade. Fiquei consternado, obviamente.

Com um histórico recente de polêmicas (como a acusação – não comprovada – de pedofilia) e bizarrices (com o embranquecimento de sua pele e as operações plásticas que destruíram seu rosto), as notícias sobre Michael Jackson passaram a ser majoritariamente extra-musicais. Uma pena.

Todos, de certa forma, imaginavam que essa história não acabaria bem. E, lamentavelmente, a má impressão acabou se confirmando.

Contudo, a despeito dos escândalos, seu legado artístico permanecerá. Canções como “One Day In Your Life”, “Got To Be There”, “I Wanna Be Where You Are” e “Music And Me”, entre outras, emocionaram e ainda emocionam milhões de pessoas ao redor do mundo. E continuarão emocionando, sem dúvida alguma.

Que ele possa descansar em paz.

Veja os clipes de “Thriller”...

Michael Jackson MTV Music

...de “Black or White”...

...e também da apresentação de “Billie Jean” na comemoração do aniversário de 25 anos da gravadora Motown. Uma imagem tão emblemática quanto a de Gene Kelly “cantando na chuva”:

Morrissey e Johnny Marr trabalhando juntos?

2009-06-23T20:06:00.005-03:00

Artigo publicado originalmente no TOM NETO.COM.

No finalzinho do ano passado, os eternos órfãos dos Smiths* [acima] ficaram alvoroçados com a notícia de que o vocalista Morrissey e o guitarrista Johnny Marr trabalhariam juntos em uma coletânea do extinto grupo. E não era boato.

The Sound of The Smiths [à esquerda, a capa] contou, de fato, com o envolvimento dos antigos parceiros: enquanto Morrissey escolheu o título do CD, Marr cuidou da remasterização das faixas.

Contudo, a despeito do “reencontro” dos dois artistas, essa compilação, em sua versão simples, é mais do mesmo para os fãs de primeira hora – que certamente possuem todos os álbuns da célebre banda de Manchester.

Sabendo disso, o que a gravadora faz? Coloca no mercado uma edição deluxe, dupla, que além de vários sucessos em suas gravações originais, traz raros lados B e versões ao vivo jamais lançadas oficialmente de “Handsome Devil”, “London” e “Meat Is Murder”. Vale a pena ouvir, por exemplo, a curiosa versão New York Vocal de “This Charming Man”.

Em tempo: apesar da colaboração das duas figuras centrais dos Smiths, não há nenhuma previsão sobre um possível retorno do grupo. Ofertas (milionárias) não faltaram – e foram todas recusadas. O motivo: as desavenças entre Morrissey, o baixista Andy Rourke** e o baterista Mike Joyce – motivadas por questões judiciais envolvendo direitos autorais – ainda não foram superadas...

* Para quem não sabe, Smith é o sobrenome mais comum que existe na Inglaterra. Equivale a Silva no Brasil. Os Smiths batizaram a banda com esse nome para deixar claro que os integrantes eram “pessoas comuns”.

** Atualmente, o baixista Andy Rourke é DJ, tendo, inclusive, tocado no Brasil três vezes – a mais recente foi no final do ano passado. Diante dessa informação, impossível não lembrar de “Panic”, cujo refrão ordena: “Hang the DJ” [“Enforquem o DJ”]. Profético, não?

Morrissey: vivo e chutando

2009-06-23T19:38:00.009-03:00

CD
Years of Refusal (Universal Music)
2009

Resenha publicada originalmente no jornal IM - INTERNATIONAL MAGAZINE, edição nº 149 (maio de 2009).

‘Years of Refusal’, novo álbum de Morrissey, não economiza nas guitarras

Não é o caso de citar nomes. Mas é verdadeiramente patético ver artistas outrora relevantes e influentes se transformando, ao longo da carreira, em caricaturas de si próprios. Contudo, esse não é o caso de Morrissey, que está lançando o seu nono álbum solo de estúdio, Years of Refusal.

Desde a sua “ressurreição” artística – com o ótimo You Are the Quarry, de 2004 –, o ex-Smith só tem acertado. O anterior, Ringleader of the Tormentors (2006), aliás, não deixava a bola cair.

O atual, no entanto, é ainda melhor.

A despeito da passagem dos anos, a voz de Morrissey permanece inalterada. As letras do bardo de Manchester também continuam melancólicas e ácidas como sempre. Dessa vez, no entanto, as canções são emolduradas por guitarras ásperas, o que faz com que o artista soe “rejuvenescido”.

E o que é mais interessante: sem qualquer indício de “síndrome de Peter Pan”.

A virulência começa já na faixa inicial, “Something Is Squeezing My Skull” – que pode aplicar um baita susto nos seus fãs mais fenfíveis. E reaparece em vários momentos do disco, como “Mama Lay Softly On The Riverbed”, “Black Cloud” e “I'm OK By Myself”, que encerra o álbum.

Fato: Morrissey nunca gravou um trabalho tão pesado em toda a sua discografia. Nem mesmo nos Smiths.

Mas o cantor não perdeu a “ternura”. Prova disso são as suaves “You Were Good In Your Time” e “I'm Thowing My Arms Around Paris”, que não soaria deslocada em um disco de sua antiga banda. Outro bom momento é a longa e climática “It's Not Your Birthday Anymore”.

O projeto gráfico é um capítulo à parte. Morrissey, com pinta de mecânico, aparece na capa com o menino Sebastien Pesel-Browne – filho de Charlie Browne, um de seus assistentes – no colo.

Years of Refusal é o primeiro CD de inéditas do inglês editado pela Decca, representada no Brasil pela Universal Music. No ano passado, a gravadora havia lançado a compilação Greatest Hits [leia a resenha aqui], que adiantou duas faixas desse álbum: “All You Need Is Me” e “That's How People Grow Up”.

É um alento constatar que um dos maiores ídolos da década de 1980 não sucumbiu à mesmice. Decididamente, Mozz não perdeu a mão.

Leia também:

Morrissey: cinquentão

Da série ‘Frases’: Morrissey

Veja o vídeo de “I'm Thowing My Arms Around Paris”: